Ирина Соболева, заслуженная артистка России, ведущий концертмейстер Мариинского театра, известная пианистка и педагог, стала художественным руководителем оперной труппы Приморской сцены Мариинского театра сравнительно недавно — в сентябре 2021 года. При этом она не покинула свой пост и в самой Мариинке. Работа "на два дома" — дело нелегкое и хлопотное, но, как оказалось, очень интересное, да и плодотворное. Последний пример красноречив — в настоящее время в Приморской Мариинке идут премьерные показы спектакля по опере Сергея Прокофьева "Любовь к трем апельсинам" (6+) в постановке режиссера Александра Петрова. Спектакль во Владивостоке — точная копия спектакля из Санкт-Петербурга. Другими словами, владивостокский зритель увидел и еще не раз увидит то же самое, что видит на исторической сцене Мариинского театра зритель петербургский.
В разговоре обозревателя ИА PrimaMedia Александра Куликова с Ириной Соболевой, который состоялся на следующий день после первого премьерного показа, нашлось место и этому событию. Но началась беседа, как говорится, с истоков.
Мама под куполом цирка, "стена Темирканова", тенор-жонглер
— Ирина Юрьевна, собираясь на нашу встречу, я, конечно же, поискал информацию о вас в Интернете и узнал, что ваша мать, Лия Мабо, была примадонной Рижского театра музыкальной комедии. Сразу подумалось: если мама — примадонна, значит, дочка почти всё время проводила за кулисами.
— Да, вы абсолютно правы. Так в детстве и было. Я воспитывалась у бабушки с дедушкой, поскольку мама часто ездила на гастроли. Однако много времени проводила и в театре. Мама была молодая интересная женщина — ее фотографии в Риге можно было видеть повсюду, что вызывало у меня гордость.
Рижская оперетта в то время была, пожалуй, первой из знаменитейших в Советском Союзе. Далее шла свердловская и только потом — московская. Это были три таких символа, три театра, которые основывались на классической венской школе этого жанра. Там работали старые мастера, умеющие блестяще петь и двигаться. И моя мама отлично вписалась в этот жанр. Конечно, и мне в нем всё было ужасно интересно. Я любила все эти блестки, красивые разноцветные платья, пышные перья на головных уборах и, конечно же, искрометную музыку. Ну что еще нужно для того, чтобы поразить детское воображенье?
Лия Мабо. Фото: Из личного архива И.Ю. Соболевой
— Наверное, и Кальман был еще жив, когда ваша мама начинала свою карьеру?
— Ну, Кальман, конечно, уже не был жив, но многое из того, что ставилось в Рижской оперетте, приходило, конечно, из Вены.
— А какие партии пела ваша мама?
— Она была замечательная Адель в "Летучей мыши" (12+) Штрауса-сына. Это очень трудная партия, если помните. Мама была хорошо сложена, и постановщики с удовольствием использовали ее прекрасные данные. И если где-то по сюжету ее можно было одеть в какие-то полуоткрытые наряды или кружевные боди, это неизменно делалось. Например, в оперетте "Принцесса цирка" (12+). У меня сохранилась фотография, где мама где-то высоко под куполом, буквально в районе колосников, балансирует на качелях в таком открытом одеянии и при этом еще и поет.
Мама — примадонна Рижского театра музыкальной комедии. Фото: Из личного архива И.Ю. Соболевой
— И вы, наверное, будучи "театральным ребенком", уже тянулись к пению, может быть, что-то уже начали напевать?
— Конечно, уже что-то пыталась напевать. Мои музыкальные способности проявились настолько, что мои бабушка с дедушкой отвели меня в специальную музыкальную школу при Рижской консерватории имени Эмиля Дарзиня, куда я была принята.
Мама и папа. Фото: Из личного архива И.Ю. Соболевой
Потом в моей жизни появился Малый оперный театр, ныне Михайловский. Это произошло, когда мама развелась с отцом (он был военным, полковником авиации, и его всё время куда-то переводили, он, например, и на Дальнем Востоке служил, в Харбине) и вышла замуж за Геннадия Ивановича Суханова, впоследствии моего приемного отца (Геннадий Иванович Суханов — выпускник вокального факультета Ленинградской консерватории, артист оперы и оперетты; пережил ленинградскую блокаду; позже был директором Малого оперного театра (ныне Михайловского), театра драмы и комедии на Литейном, Большого Драматического театра (в течение 17 лет) — А.К.). Мы переехали в Ленинград, меня перевели в специальную музыкальную школу при Ленинградской государственной консерватории, отец занял пост директора Малого оперного театра.
Театр тянул, привлекал, завораживал. Без театра жизнь мне уже не представлялась. То мне казалось, что я могу петь. То мне казалось, что я могу дирижировать, причем незамедлительно. Возможно, эти задатки остались во мне и по сей день.
Мама и Геннадий Иванович Суханов. Фото: Из личного архива И.Ю. Соболевой
Родион Константинович Щедрин, с которым мы очень дружим, случалось, говорил мне: "Ирина, вам надо дирижировать". А я отвечала: "Поздно. Сейчас уже поздно начинать какую-то новую карьеру".
— А я вам скажу, что многие дети любят дирижировать. Я сам в детстве дирижировал. Ставил пластинку, когда дома никого не было, потому что стеснялся, брал в руки карандаш и изображал дирижера. Быть может, это помогало как-то по-другому, изнутри что ли воспринимать музыку.
— Может быть. Когда ребенка тянет дирижировать, понятно, что у него есть какие-то задатки, он не может просто так слушать музыку, ему нужно вести ее.
Ведь что такое дирижирование? Это когда ты ведешь музыку, находясь в ее авангарде и привнося какие-то свои идеи сообразно замыслам композитора. Дирижирование — очень сложная вещь. Вроде бы дирижировать могут многие, да вот мало кто может дирижировать по-настоящему.
Знаете, сегодня ночью пришло трагическое известие о том, что из жизни ушел Юрий Хатуевич Темирканов (беседа с Ириной Юрьевной происходила 3 ноября 2023 года — А.К.). Лично для меня это огромная потеря, потому что Темирканов принимал меня на работу в качестве концертмейстера в Кировский театр (С 1976 по 1988 год Юрий Темирканов, выдающийся советский и российский дирижер, народный артист СССР (1981), был художественным руководителем и главным дирижером Ленинградского театра оперы и балета им. С. Кирова (ныне Мариинский театр) — А.К.). Это произошло в 1980 году.
С Юрием Темиркановым. Фото: Из личного архива И.Ю. Соболевой
Сейчас я понимаю, что мои самые первые шаги в театре были очень смешные. Поэтому я очень благодарна Юрию Хатуевичу за его терпение, за тот "курс молодого бойца", который я получила в театре, после того как окончила консерваторию имени Римского-Корсакова. Причем сделала это с отличием. Но, как оказалось, консерватория и реальная жизнь в театре — это, как говорится, две большие разницы.
— В репертуаре Приморской Мариинки есть "Пиковая дама" (12+), поставленная Темиркановым.
— Он создал два великих спектакля не только как дирижер, но и как режиссер. И если доведется, я обязательно напишу об этом. Должна написать! Потому что когда такие люди уходят, начинаешь задумываться и о своем возрасте, и о том, что, наверное, тебе очень повезло, когда ты совсем юной и неопытной девчонкой волей судьбы оказалась внутри работы над этими шедеврами.
Я помню всё, что он делал, когда ставил два удивительных, уникальных спектакля, которые живут до сих пор, и до сих пор проходят с неизменными аншлагами и с огромным успехом. Первый спектакль — "Евгений Онегин" (поставлен в 1983 году — А.К.), второй — "Пиковая дама" (поставлен в 1984 году — А.К.). По счастью для Владивостока, "Пиковая дама" сейчас находится здесь.
Это подлинный и, можно сказать, раритетный спектакль. Темирканов сам принимал участие и в создании костюмов, и в задумке интерьерного оформления, и, конечно, в постановке.
Для него в то время было очень важно отдалиться от привычной рутины Кировского театра, который тогда, чего греха таить, переживал некоторый упадок. Он стремился создать новое направление, в котором певцы и певицы не просто стоят на авансцене и поют, но и проявляют себя настоящими драматическими артистами. И вот он выбрал два этих названия — "Евгений Онегин" и "Пиковая дама", которые были поставлены с разницей в год.
"Пиковая дама" в Приморской Мариинке. Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
Я была на всех репетициях этих спектаклей, и это было счастье. Я много играла репетиций по "Пиковой даме". На "Онегине" — меньше. Но зато с Юрием Хатуевичем Темиркановым и с солистами, которые вышли потом на премьеру, полностью прошла основную, скрупулезную работу в классе, которая продолжалась несколько месяцев.
Я работала с Юрием Михайловичем Марусиным (исполнитель партии Ленского — А.К.), с Николаем Петровичем Охотниковым (Гремин — А.К.), с ныне здравствующим Сергеем Петровичем Лейферкусом (Онегин — А.К.), Алексеем Алексеевичем Стеблянко, Ларисой Андреевной Шевченко. А потом этот же состав плавно перетек в "Пиковую даму", поскольку он уже был обучен Темиркановым в том духе, что солисты должны демонстрировать не только выдающиеся вокальные возможности. Это были еще и потрясающие актерские работы. Просто потрясающие!
Темирканов хотел оторваться от того скучного жанра, который представляла собой тогдашняя классическая опера, где на сцену выходили певцы в возрасте, каких-то огромных размеров и просто пели. На подобные представления тогда уже мало кто ходил.
А посмотрите, какие певцы были в "Онегине" и "Пиковой даме" у Темирканова! Молодые, стройные, внешне привлекательные.
С чего мы начинали репетиции? Приходил Юрий Хатуевич (он шел всегда своей, такой немножко аристократической, княжеской походкой) и говорил: "Ну что?" А все его ждали, потому что он уже тогда был легендой. Да и всегда был!
И вот он говорил: "Ну что, встаем к стеночке?" И все вставали к стеночке — пяточками, лопаточками, ручками — и стояли у стеночки. Выправляли осанку. Тяжело было. То там, то здесь слышались жалобы: "Ой-ой, тяжело". Стоим. "Ой, уже устали". Стоим. "Ой, плечи устали". Всё равно стоим.
Но вот, наконец, красивой походкой "отпарковались" и пошли. С красивый ровной спиной, как у Юрия Хатуевича. И тогда становилось понятно, что это аристократы из "Онегина" и "Пиковой дамы".
Ирина Соболева по время урока с артистом. Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
А как можно было, не будучи аристократом, сыграть ту же самую Пиковую даму, то есть Графиню? Как можно было сыграть графа Томского? Как можно было сыграть князя Елецкого? Темирканов начинал со спины. Разве раньше кто-нибудь обращал на это внимание? Никто. Но это ведь был Темирканов! У Юрия Хатуевича было такое положение, что никто с ним спорить не мог. Он говорил — все делали. А другого дирижера и режиссера, может быть, певцы послали бы, как мы говорим, очень далеко… прогуляться со своей осанкой.
— А мне вспоминается фильм "Музыкальная история" (12+) с Сергеем Яковлевичем Лемешевым в главной роли. Картина начинается с эпизода в театре — там дают "Кармен" (12+). Сцена Кармен и Хозе, где она уговаривает его бежать с разбойниками. Кармен — очень солидная дама в летах, Хозе — не менее солидный во всех отношениях артист. Поют великолепно! Театр рукоплещет. А те, кто сидит в кинозале и смотрит на экран, видят некую пародию на оперный театр с его хрестоматийным глянцем.
— Вот именно. А давайте вспомним спектакль театра Образцова "Необыкновенный концерт" (6+) и какие там были пародийные оперные певцы.
Я считаю, что для того, чтобы хорошо петь в опере, певцы обязаны соблюдать не только голосовой режим, но и всё остальное. Диета — должна быть, спорт — должен быть, артистизм — должен быть. Солист должен уметь на сцене всё.
"Любовь к трем апельсинам" в Приморской Мариинке. Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
Вот вам пример. Позавчера (то есть 31 октября 2023 года — А.К.) мы выпустили спектакль — "Любовь к трем апельсинам" (6+) Сергея Прокофьева (я считаю, что это блестящий спектакль для Владивостока, веселый, остроумный, яркий). И что там делает тенор, который поет партию Труффальдино? Выйдя на сцену, буквально после двух первых фраз он делает колесо. А далее он жонглирует тремя апельсинами. И это было условие Александра Петрова, режиссера этого спектакля. Петров сказал: "Должен жонглировать. Если артист не умеет жонглировать, он не подходит к этой партии". Вот и всё. Пришлось нашим певцам осваивать и это занятие.
Сегодня артистам надо уметь очень многое. И двигаться, и танцевать. И падать на сцене тоже надо уметь.
— Алена Диянова, исполнявшая роль злой волшебницы Фаты-Морганы, эффектно и смешно падала согласно замыслу режиссера. И тогда принц начинал смеяться, а потом начинали смеяться и зрители в зале. Я и сам от души рассмеялся. Алена так естественно упала.
— Причем в таз упала. И не может никак подняться.
— И этот трюк делает человек, обладающий таким красивым, мощным голосом.
— Изумительный голос.
"Любовь к трем апельсинам" в Приморской Мариинке. Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
— А где вы еще видели такое хулиганство, когда один уважаемый солист театра шлепает ремнем другого уважаемого солиста?
— Да-да, и при этом в жизни они дружат.
— Я очень люблю музыку Прокофьева и эту оперу тоже. Иногда в шутку говорю: ""Апельсины" для певца — сущий клад. Да там и делать-то почти ничего не надо. Ни арий, ни дуэтов, не ансамблей. Вышел, спел свое — пошел в кассу, получил гонорар".
— Нет, что вы, это очень трудная опера, хотя и короткая. Скажем, "Нюрнбергские мейстерзингеры" (12+) Рихарда Вагнера идут 6 часов. А в "Апельсинах" первое действие длится где-то 45 минут. Потом антракт, буфет. И, наверное, те же 45 минут — второе действие. И всё — конец оперы. Но она вся невероятно стремительна, в ней спрессованы такие скорости! В действии и музыке используются в основном быстрые темпы, за малым исключением.
Опера была написана в начале ХХ века, в 20-х годах. В ней ощущается очень мощное влияние кинематографии и, безусловно, Всеволода Мейерхольда, которому вообще-то принадлежит идея либретто оперы (кстати, Мейерхольд когда-то издавал журнал под названием "Любовь к трем апельсинам" (12+).
— То есть это была такая определенная эстетика яркого зрелища, буффонады, карнавала?
— Да. И я думаю, Прокофьев, создавая эту оперу, находился под влиянием зарождающейся кинематографии — необычного и нового жанра, который решительно входил в сознание людей, завоевывая мир.
— Я в свое время много читал о постановке "Ревизора" (12+) Мейерхольдом в 1926 году (кстати, в том же году Сергей Радлов впервые поставил "Любовь к трем апельсинам" в Мариинском театре и вообще у нас в стране). Мейерхольд в "Ревизоре" ограничил пространство сцены, где происходили события, небольшой площадкой, фактически имитируя кадр немого кино. И он как будто при зрителях, сидящих в зале, снимал такое кино, только звуковое, одним дублем и с живыми актерами. Им в этом кадре было неудобно, тесно, они копошились, натыкались друг на друга. И это создавало нужный Мейерхольду эффект этакой человеческой мелюзги, прорехи на человечестве.
— Вот это замечательная мысль. Совершенно верно. Так потом создавался и "Нос" (12+) Дмитрия Шостаковича (и эта опера была написана в те же 20-е годы). Она тоже носит такой кинематографический характер с быстрой сменой эпизодов. Я думаю, что это было некая попытка слияния жанров. В результате получился шедевр. Такой же, как "Любовь к трем апельсинам".
За кулисами после спектакля. Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
Я очень рада, что во Владивостоке есть эта постановка, очень привлекательная как зрелище, причем для всех возрастов. Для маленьких — это сказка, где есть волшебники, где добро борется со злом и обязательно его побеждает. Для ребят в подростковом возрасте спектакль тоже интересен, потому что в нем много юмора, который, как мне кажется, хорошо "читается" нынешней молодежью. Для людей зрелого возраста, безусловно, есть о чем задуматься, потому что тут есть и предательство, и интриги, и столкновение характеров — всё как в жизни. Есть комики, есть трагики, есть пессимисты, а есть и оптимисты. Есть романтики, которые во всем ищут красоту и любовь. Где правда? Правда, наверное, в самой нашей жизни, которая вмещает в себя абсолютно всё. В ней есть драма, лиризм, комизм, трагедия, предательство, любовь. И вот всё это чудесным образом "вбито" в эту маленькую оперу.
Фальцет Мороза, ударный "Левша", переходящая Эмма
— "Любовь к трем апельсинам" — замечательный спектакль. И ведь, насколько я знаю, он не единственный в этом роде. В репертуаре Мариинского театра, как сейчас модно говорить, есть целая линейка веселых озорных опер, таких как "Дон Паскуале" (12+) Доницетти и "Итальянка в Алжире" (12+) Россини.
— "Дон Паскуале" на Приморской сцене Мариинского театра — моя мечта. Мы должны сделать здесь спектакль, аналогичный тому, который идет сейчас в Питере. Почему это важно? Сейчас поясню.
После того, как мы сделали аналогичные по режиссуре, декорациям и костюмам "Апельсины" во Владивостоке, мы спокойно можем переместить отсюда солистов и хор в Санкт-Петербург, представляя их в том же спектакле, но уже на сцене Мариинского театра. И точно также мы можем солистов Мариинского театра показать в этом же спектакле во Владивостоке.
Понимаете, чтобы называться Мариинским театром, недостаточно разместить историческую эмблему на фасаде здания Приморской сцены. Нужно добиться слияния двух трупп. И с каждым сезоном, как мне кажется, мы всё ближе к этому. Солисты из Питера приезжают на спектакли во Владивосток, солисты из Владивостока приезжают на спектакли в Питер (совсем недавно, 18 ноября, солисты Приморской сцены гастролировали со спектаклем "Паяцы" на исторической сцене Мариинского театра — А.К.).
Какие возможности дает полная идентичность спектаклей? Да хотя бы то, не нужно везти декорации, что довольно хлопотно и дорого с учетом огромного расстояния между нашими городами. А если артисты приезжают и попадают в привычные им декорации, то они спокойно репетируют и выходят на сцену играть спектакль. Тем более что уже знают, как им двигаться и что им делать в той или иной мизансцене. Режиссура-то одна и та же.
Вот в чем заключается моя идея. И мне кажется, что она уже нашла отклик и у Валерия Абисаловича Гергиева. Думаю, мы в этом направлении будем двигаться дальше.
С Валерием Гергиевым. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
— Это прекрасно, потому что владивостокский зритель всегда с интересом наблюдает за выступлением питерских солистов. Например, недавно у нас побывал Владимир Мороз, баритон. Он и раньше приезжал. А в этот раз выступал в рамках Международного Тихоокеанского театрального фестиваля (12+) в музыкальном спектакле Театра современного балета Кубы по кантате немецкого композитора Карла Орфа "Ка́рмина Бурана" (12+). На меня, честно говоря, танцевальная часть спектакля не произвела большого впечатления. Другое дело пение! А Владимир Мороз меня просто поразил диапазоном своего голоса! Когда он запел фальцетом, мне припомнилось пение контратеноров.
— Он очень хороший профессионал, опытный артист, многое знающий и умеющий. И всё, что он исполняет, всегда отличается отличным качеством. Например, в репертуаре Мариинского театра есть опера "Лолита" (16+) Щедрина по Набокову. С более сложным музыкальным произведением, я, наверное, в своей жизни не соприкасалась. И ту работу, которую сделал в этой постановке Володя Мороз, я считаю просто исключительной!
— Как раз у меня был вопрос заготовлен, связанный с Щедриным. Но раз вы его сами упомянули, давайте я этот вопрос задам. Было бы интересно услышать, как шла работа над другой оперой композитора — "Левша" (12+). Заглавную партию там исполнял Андрей Попов, которого многие во Владивостоке знают и ценят как певца высокого класса. Кстати, с ним всё в порядке? А то он давненько к нам не приезжал.
— Андрей Попов (солист Мариинского театра, характерный тенор — А.К.) много гастролирует, поскольку является востребованным тенором в своем амплуа, таком, я бы сказала, близком к актерскому исполнению. Андрей — очень хороший артист, невероятно интересный певец. Не переживайте, придет время, и он, конечно же, приедет во Владивосток.
— Вы ему передайте, что во Владивостоке его любят и ждут.
— Обязательно передам.
А что касается оперы "Левша", то она, как известно, написана по сюжету рассказа Николая Лескова ("Сказ о тульском косом Левше и о стальной блохе" (6+) — А.К.). И, пожалуй, ни у кого из композиторов не получилось такого музыкального воплощения произведений Лескова, как у Родиона Константиновича Щедрина.
Я, например, только после Щедрина стала читать внимательно Лескова. Понятно, что Лескова мы читали все. Но кто-то более умный читал его вещи дотошно, а кто-то — поверхностно. Я принадлежала ко второй категории, то есть в основном обращала внимание на содержание. Но только после того, как Родион Константинович сказал мне: "Читайте внимательно Лескова, посмотрите, какой это русский язык!", я стала внимательно вчитываться в произведения этого удивительного писателя. И, читая, поняла, что так зацепило композитора.
С Родионом Щедриным. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
И потом надо иметь в виду, что его отец Константин Михайлович был сыном священника собора в городе Алексин в Тульской области.
— Понимаю вас. Литературоведы говорят, что в прозе Лескова нашли свое отражение и церковная книжность, и житийные мотивы. Например, "Очарованный странник," (12+), — по сути, не что иное, как житие Ивана Северьяновича Флягина. По этой повести Щедрин написал одноименную оперу (12+), в котором в том числе используется и знаменный распев.
— Вот видите, как всё сошлось! Но интересна и сама история написания оперы "Левша". В 2013 году Валерий Абисалович Гергиев должен был отмечать свое 60-летие. И так совпало (а, может, сама судьба так распорядилась), что на этот же год выпало открытие нашей второй сцены, новой, современной, огромной, которая занимает четыре улицы (часть набережной Крюкова канала, часть улицы Союза Печатников, Минского переулка и улицы Декабристов). Строился этот театр с большим трудом, потому что канал есть канал и от воды, подмывающей грунт, никуда не денешься. Неспроста ведь Петербург называется Северной Венецией.
Поэтому возведение такого капитального строения, как Мариинкий-2, оказалось очень сложным мероприятием. И естественно, сроки строительства тормозились по естественным причинам и не раз переносились. Наконец, размывание и просадка грунта были остановлены, и тогда стало возможным забивать сваи. Театр "пошел" вверх, и наконец в 2013 году был построен.
"Это уже архивная. Такие молодые" — Валерий Гергиев и Ирина Соболева. Фото: Из личного архива И.Ю. Соболевой
Открытие новой сцены решили приурочить к юбилею маэстро, тем более что в том же году отмечалось 230-летие со дня основания Мариинки. А чем открывать новую сценическую площадку, как не мировой премьерой новой оперы? И тут оказалось, что Родион Константинович, помня про юбилей Валерия Абисаловича, специально написал к этой дате оперу — в партитуре есть посвящение Гергиеву.
А далее всё происходило стремительно. Когда было решено выпустить эту оперу к открытию Мариинки-2, мы просто ахнули, потому что времени на разучивание музыкального материала у нас практически не было. Да и партитуру мы получили почти в рукописном варианте. Конечно, Родион Константинович приезжал к нам, и мы много сидели у рояля. Сохранились фотографии, одна из них довольно уникальная — у рояля Валерий Абисалович и Родион Константинович смотрят партитуру, а посередине сижу я. И вокруг много солистов. Это была первая спевка по этой опере.
Родион Щедрин, Ирина Соболева и Валерий Гергиев смотрят партитуру оперы. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
Помню, я говорила Родиону Константиновичу: "Сыграйте, пожалуйста, этот эпизод". Потому что сложность была невероятная — и ритмическая, и гармоническая, и мелодическая. Невероятно сложная тесситура для певцов была написана. Сложнейший музыкальный материал.
Говорю: "Сыграйте что-нибудь, потому что аудиозаписи нет, невозможно сориентироваться. Не знаешь ни художественного направления того или иного места, ни того, как это звучит в оркестре. Хоть что-то расскажите". А он мне: "Нет, Ирина, вы сами лучше всего сможете это сыграть". И мне от этого "сами сможете это сыграть" всегда становилось страшно. Рядом сидел живой классик, он только что написал свое новое произведение, и нам надо было его выучить.
Словом, это был очень сложный период и для певцов, и для меня лично. Но мы неуклонно пробивались к премьере, и в мае 2013 года открыли Мариинку-2 премьерой "Левши".
— Насколько я знаю, партию Левши способен спеть далеко не каждый тенор. Штучная, можно сказать, партия.
— Действительно Щедрин написал тесситуру, с которой мог справиться лишь Андрей Попов, у которого по-настоящему большой диапазон. У Андрея есть и нижние ноты, и предельно верхние ноты. Но вот сейчас, когда Андрей уезжает, эту партию так же хорошо исполняет Александр Михайлов, у которого тоже есть очень высокие ноты. Это, можно сказать, его конек.
— Александр Михайлов недавно приезжал во Владивосток. Вместе с Альбиной Шагимуратовой и солистами Приморской сцены он участвовал в концертном исполнении оперы Сергея Рахманинова "Франческа да Рамини" (12+), а потом вместе с Владимиром Морозом и Аленой Дияновой в спектакле "Кармина Бурана", о котором я уже упоминал. Там у Михайлова был всего один номер, но петь пришлось очень высоко, и Александр вложил в исполнение всё свое мастерство и все силы.
— Да, он профессиональный человек. У него замечательное образование, он очень многое в театре уже сделал. И, пожалуй, только два человека — Андрей Попов и Александр Михайлов — способны сейчас справиться с партией Левши.
— Видимо, здесь, во Владивостоке на это никто не способен, при всем уважении к нашим тенорам.
— Я думаю, что пока нет. Но давайте начнем с меньшего. Если сейчас удастся подготовить оперу Доницетти "Дон Паскуале", которая стоит в ряду лучших белькантовых опер, это будет замечательно. Мне кажется, у нее есть огромное преимущество перед другой оперой Доницетти — "Лючия ди Ламмермур" (12+), которую владивостокские любители оперы должны знать, поскольку она шла здесь с Альбиной Шагимуратовой. "Дон Паскуале" — опера комическая, она очень веселая.
Зачастую сюжет в классической опере связан с убийствами, с предательством, с коварством, с кровью. Как, например, в "Царской невесте" (12+) Римского-Корсакова или в "Макбете" (16+) Верди. Но мне кажется, в репертуаре театра обязательно должны быть такие веселые оперы, как "Дон Паскуале" или "Любовный напиток" (12+) Доницетти.
Ирина Соболева. Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
Ведь что такое "Дон Паскуале"? Это веселая, забавная история о том, как очень пожилой мужчина решил вспомнить молодость и жениться. Но не просто жениться, а найти себе очень и очень молодую спутницу. И его ближайший друг, врач, никак не может его уберечь от этого опрометчивого шага. И тогда с одной привлекательной женщиной он решает проучить старого ловеласа и доказать ему, что идея жениться на молоденькой может кончиться весьма плохо. Вот такая забавная фабула у этой оперы. И, соответственно, музыка замечательная, легкая, веселая.
— Действительно, во многих классических операх хватает коварства, убийств, трагедий и так далее. Вспоминается, конечно, история с "Фальстафом" (12+, последняя, 26-я опера Джузеппе Верди, написанная им на либретто Арриго Бойто по пьесам Шекспира "Генрих IV" и "Виндзорские насмешницы" — А.К.). По поводу этой оперы Верди, кажется, сказал (передаю в весьма вольном переводе с итальянского): "Хватит, наубивался. Напишу-ка напоследок что-нибудь веселое, где никто не умирает".
— Действительно, какую из предыдущих 25-ти опер Верди ни возьми, везде кто-то либо умер, либо погиб, либо его убили.
Хотя у Верди, знаете, в молодости случилась страшная семейная трагедия — сначала умерли совсем маленькие дети, а потом и жена Маргарита (предположительно, от энцефалита). Он чуть не бросил писать музыку и хотел отказаться от написания опер. Но, видимо, сюжет "Набукко" (12+) его сильно вдохновил, и в итоге Верди создал оперу (немножко близкую, кстати говоря, к бельканто, к стилю Доницетти), которая принесла ему большой успех. И чем старше становился Верди, тем сильнее выкристаллизовывался его особый, драматический стиль. Ну а "Фальстаф" — это, действительно, желание отойти от этого стиля и написать веселую оперу.
— В репертуаре Приморской Мариинки есть очень веселый спектакль — "Свадьба Фигаро" (12+) Моцарта. В этой постановке замечательно то, что артисты в ней проявляют не только свои вокальные, но и драматические данные. Импровизируют, где это возможно, придумывают какие-то забавные фишечки. Идет этакая легкая игра со зрителем. Вот, скажем, баритон Алексей Репин, исполняющий роль Графа, появляется на сцене с собачкой (с ее помощью он пытается найти Керубино в спальне своей жены Розины). И как же он называет собачку? Эммой! Что отсылает нас к другому спектаклю, "Летучей мыши", где тот же певец играет Фалька. Эмма — это ведь оттуда, из "Летучей мыши", собака Шульца, выдуманная Генрихом Айзенштайном. И вот она оказывается в "Свадьбе Фигаро". Зритель, часто бывающий в театре, всё понимает, и ему нравится такая шутливая игра.
— Но и потом Алексей Репин не только очень хороший певец и артист, но также человек с чувством юмора. А я считаю, что в таких спектаклях, как "Свадьба Фигаро", без юмора вообще нечего делать.
Знаете, артисты сами любят играть этот спектакль. В нем столько позитива! Несмотря на ложно драматические ситуации, которые там образуются, все равно всё кончается хеппи-эндом. Это очень важно.
Веселых опер в мире не так уж много. Это, конечно же, "Летучая мышь" (конечно, по жанру это оперетта, но по музыкальному и вокальному воплощению, скорее, опера). За ней следуют "Любовный напиток" и "Дон Паскуале". И вот "Свадьба Фигаро", которую ставят очень много, потому что "Дон Жуан" (12+) — это уже история посерьезнее ("Дон Жуан" — еще одна вершина оперного творчества Моцарта, написанная композитором после "Свадьбы Фигаро" — А.К.).
Даешь "Дон Жуана", "Война и мир" эпохи ковида, "Голь на выдумки хитра"
— "Дон Жуана"" хотелось бы увидеть во Владивостоке. Такое возможно, как вы считаете?
— Я думаю, всё возможно. Посмотрите, как театр развивается. Вот, скажем, в 2016-2017 годах здесь было всего два новых названия, в 2018-2019 годах — три. Потом нагрянула пандемия, которая убила все планы. Буквально всё остановилось. Петь нельзя было. Первый концерт в Мариинском театре имел такие ограничения! Но он состоялся. Валерию Абисаловичу каким-то чудом удалось договориться с главным санитарным врачом России, и нам дали разрешение.
Но как это выглядело? Один артист выходит, встает на точку, исполняет свой номер и уходит. Из другой кулисы, не встречаясь с ним, выходит следующий артист. И никто ни с кем на сцене не соприкасается.
— Я помню этот концерт. Я смотрел его в Интернете, находясь в больнице… с ковидом.
— Ну, вот видите! На концерт были приглашены врачи. Посадка в зале была через два кресла, пустые места были заклеены скотчем. Такие же ограничения имелись и на первых спектаклях. Предположим, в "Травиате" (12+) Альфред должен был обнять и поцеловать Виолетту. Но делать этого нельзя было. Приходилось менять мизансцены, и не только в "Травиате".
— Любовь Альфреда и Виолетты на пионерском расстоянии?
— Да-да. Чего только не пришлось изменить. Но тем не менее, мы были театром, который закрылся последним в пандемию. Вы вспомните, во Владивостоке играли "Войну и мир" (12+) Прокофьева в то время, когда по всей стране уже были введены ограничения, и все театры были закрыты.
— Отлично помню эти спектакли. Премьера была объявлена заранее, и все гадали, состоится она или нет.
— Так нам ее уже не разрешали. Только благодаря Кожемяко Олегу Николаевичу мы дошли до конца, потому что это были премьеры, их обязательно нужно было показать.
— Жалко, что сейчас "Война и мир" у нас не показывается. Я понимаю, это очень сложно технически. В этой опере столько партий, своих исполнителей не хватает — надо кого-то из Питера везти.
— В Питере мы даем этот спектакль, кстати, в ноябре он есть в афише.
— Он идет в полной редакции?
— Практически в полной. Есть только традиционная купюра в 13-й картине. Зато у нас полная 11-я картина идет, и вообще весь "МИР" не трогается.
— Владивостокская редакция тоже интересна.
— Да, мы придумали так, что спектакль начинается с воспоминаний умирающего, смертельно раненного князя Андрея Болконского. Это воспоминания о мире, о любви к Наташе, обо всем, что произошло дальше, включая Бородино.
— Получилась такая динамичная сокращенная версия. Зритель ее хорошо воспринимает. Единственное, я бы в этом спектакле все-таки один момент сохранил.
— Какой? Расскажите.
— Это в седьмой картине, где Пьер стулом замахивается на Анатоля. Я бы всё-таки оставил эту сцену целиком. Уж очень она яркая, драматичная, раскрывающая характер персонажей.
— Вы знаете, "Войну и мир" ставили у нас несколько раз. Сначала, когда театр был Кировским, еще при Юрии Хатуевиче Темирканове. И, кстати, в этот спектакль, будучи студентом, попал Валерий Гергиев. Во время репетиции Темирканов, повернувшись с пульта, сказал: "Давай, иди-ка подирижируй". Вот это была первая проба пера Валерия Абисаловича Гергиева!
Дважды, с разницей в 20 лет, "Войну и мир" ставил выдающийся британский оперный режиссер Грэм Вик. А потом мы делали спектакль, который сейчас идет на сцене Мариинского театра. Его ставил Андрей Сергеевич Кончаловский, знаменитый кинорежиссер. Низкий поклон ему за те два великолепных спектакля, которые он поставил у нас в театре, — "Войну и мир" и "Бал-маскарад" (12+) Верди. Чудесные, талантливые спектакли по режиссуре получились. Они до сих пор у нас в репертуаре. Мы много гастролировали с ними по всему миру.
С Андреем Канчаловским. Фото: Из личного архива И.Ю. Соболевой
— Я видел этот спектакль на канале Mezzo, когда там было много постановок российских оперных театров и вообще много русской музыки. В какой-то момент ее не стало вовсе, но сейчас она возвращается на канал. Часто на Mezzo показывают авангардные европейские постановки оперной классики. Честно говоря, некоторые постановки принять довольно трудно.
— Я не смотрю, к счастью, такие постановки. Для меня это, наверное, было бы трудно.
— Я тоже, честно говоря, не очень приветствую всякие эксперименты с классикой. Современная опера — это одно, а классика — другое. С моей точки зрения, классика должна быть классикой. Ну, возьмите, например, некий ансамбль современного танца. Да, они представляют публике не классический балет, а новые танцы. Но я уверен, что ежедневно с утра пораньше танцоры этого ансамбля работают у станка. Я думаю, классика в своем исконном виде должна быть в жизни каждого человека. Это как таблица умножения, как алфавит, как основа основ, на которой потом строится всё восприятие искусства человеком. Ну а потом некоторые произведения лучше всего воспринимаются в своем первоначальном виде. Вот шла на Приморской сцене опера Чайковского "Мазепа" (12+). В исторических декорациях, в исторических костюмах. И именно в таком виде она была той самой оперой "Мазепа", которую сочинил Чайковский на поэму Пушкина. Убери исторические декорации и костюмы, и всё мгновенно разрушится.
— Абсолютно верно. "Мазепа" — один из лучших спектаклей Мариинского театра. Один из самых любимых спектаклей Гергиева. Уникальный по красоте. А эти декорации, они ведь сохраняются на протяжении многих лет. Такие спектакли похожи на шедевры, которые мы приходим смотреть в картинных галереях и художественных музеях.
Что касается современной режиссуры, то здесь я придерживаюсь такого мнения: если ты хочешь ставить классику в современном прочтении, то имеешь право делать и современные декорации, и перемещать героев в другие времена, и одевать их в костюмы из иной эпохи. Да, ты можешь всё это делать. Но ты не имеешь права менять суть произведения. Ты не можешь, не имеешь никакого права, допустим, женить Онегина на Ленском. Ты не можешь придумать какие-то вещи, которые идут абсолютно вразрез с замыслом композитора.
С Родионом Щедриным и Майей Плисецкой. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
С Пласидо Доминго. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
Алексей Степанюк, Ирина Соболева и Родион Щедрин. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
Мы с Алексеем Олеговичем Степанюком, одним из наиболее востребованных оперных режиссеров, сделали немало постановок. Есть у нас и современные работы. Мы, например, делали совершенно современную по оформлению "Пиковую даму". Но в этой постановке мы не трогали неприкасаемые вещи. Фабула осталась той же самой, потому что никто не имеет права ее изменять.
То же самое с "Орлеанской девой" (12+) Чайковского. У нас получился современный спектакль. Но менять что-то во взаимоотношениях героев мы себе не позволили — избави Бог!
— На Приморской сцене шел неплохой спектакль по "Хованщине" (12+) Мусоргского в полусценическом исполнении. К тому времени декорации и костюмы уже увезли в Питер, но полусценическая постановка получилась вполне самодостаточной. В духе европейских минималистических оперных спектаклей. Были современные костюмы, но в едином стиле. И Хованского Шакловитый не заколол кинжалом, а застрелил из пистолета. И Подьячий предстал в виде мелкого офисного клерка, и у молодого Хованского оказался в кармане мобильный телефон. А у князя Голицына в кабинете — лампа с зеленым абажуром, как у Ленина. Но мне понравилось — так это было всё уместно и дозировано, без перехлестов.
— Знаете, есть такая русская поговорка, и она абсолютно точна применительно к ситуации именно с этой "Хованщиной": "Голь на выдумки хитра".
Дело в том, что мы учили "Хованщину" в 2022 году к приезду Валерия Абисаловича и легендарной исторической постановке оперы. И в спектакле с историческими декорациями и костюмами участвовала часть солистов из Мариинского театра и часть солистов Приморской сцены, что было очень важно для меня как руководителя ее оперной труппы. И солисты, и хор Приморской сцены прекрасно справились с задачей!
А потом спектакль увезли обратно в Питер (то есть декорации и костюмы). Это как будто редкую жемчужину вынули из короны, привезли сюда, показали, а потом вернули на свое место.
На поклонах. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
На поклонах. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
На поклонах. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
На поклонах. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
На поклонах. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
На поклонах. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
На поклонах. Фото: Илья Коротков, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
И что получилось? Блистательный хор, возглавляемый Ларисой Швейковской, выучил этот материал. Оркестр, возглавляемый Павлом Смелковым, выучил этот материал. Солисты оперы, руководимые мною, выучили этот материал. То есть спектакль есть, а спектакля нет. Играть его не в чем. А ведь всё выучено наизусть, взаимоотношения, которые выстраивались в процессе работы над спектаклем, сохранились. Поэтому решено было любой ценой, для сохранения выученного музыкального материала, продолжить показ оперы Мусоргского. Да, это компромиссная режиссура, но в данном случае это был лучший вариант.
Океан Мариинка
— Знаете, Ирина Юрьевна, я обратил внимание на одну вещь. Когда читаешь интервью с людьми, которые приезжают во Владивосток с запада России, они наше море называют океаном. И нам это кажется странным, ведь сами мы говорим: "Море, залив, бухта". А для приезжих всё это — океан.
— Нет-нет, я уже совершенно точно знаю, что по эту сторону находится Уссурийский залив Японского моря, а по ту — Амурский залив.
— А вот другие говорят: "Океан". И вот я подумал, а, может, у нас разные взгляды на вещи. То, что из столицы видится океаном, нам видится всего лишь бухтой. И всё-таки наша Приморская Маринка — бухта или океан? Как вы считаете?
— Бухта или океан, не важно. Я считаю, что всё это Мариинка в первую очередь. И тогда надо спрашивать, что такое наша Мариинка? Это бухта или океан?
Вы знаете, мне доводилось купаться и в Бискайском заливе Атлантического океана, и в Персидском заливе Индийского океана. И я поняла, что чем ближе к настоящему океану, тем больше ощущается отличие океанской воды от морской. У океанской и дыхание свободнее, и волна больше.
Так вот, Мариинский театр — это не просто здание в Санкт-Петербурге, или во Владивостоке, или Владикавказе, это огромная империя, огромный океан, наполненный большим океаническим дыханием.
На репетиции. Фото: из личного архива И.Ю. Соболевой
"Жизнь за царя". За кулисами с Валерием Гергиевым. Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
На пресс-конференции с маэстро Гергиевым. Фото: Илья Коротков, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
На творческой встрече с Ильдаром Абдразаковым. ДВ фестиваль "Мариинский" (6+). Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
Планов у нас сейчас громадье. И надо сказать, что планы мы выполняем. Идем стремительно вперед. Так, в июне этого года Мариинский театр выпустил "Нюрнбергских мейстерзингеров" (12+), грандиозную оперу Рихарда Вагнера.
Теперь у нас идет весь Вагнер. И нужно еще поискать, где сейчас, в какой Европе, которая со времен пандемии становится захудалой в музыкальном плане, можно найти подобную коллекцию вагнеровских шедевров?
А вы знаете, скольких наших певцов, несмотря на все санкции и ограничения, с завидным упорством приглашаются европейскими театрами?
— Приятно осознавать, что творческий мир не принял предлагаемого ему отказа от русской культуры. Например, Ассоциация британских оркестров официально осудила бойкот исполнения произведений русских композиторов.
— Ну как можно отказаться от русской классики? И как можно отказаться от русской культуры вообще? Как можно отказаться от живописи? Ну, давайте тогда откажемся от живописи Рублева и Феофана Грека. Давайте откажемся от архитектуры Растрелли и Баженова. Давайте тогда от всего отказываться. Ну, это уже просто глупость беспредельная получается. От Чайковского можно отказаться? От Рахманинова? От Римского-Корсакова?
— Вот слушаю вас, и у меня складывается впечатление, что вы ни секунды не жалеете, что оказались во Владивостоке и возглавили оперную труппу Приморской сцены, продолжая работать и в Питере. Хоть это и трудно. Одна дорога туда и обратно сколько занимает!
— Сказать честно, в первый момент я была обескуражена этим назначением, я его не ожидала и на него не напрашивалась. У меня даже в мыслях не было, что я буду заниматься, кроме своей основной профессии, еще какими-то административно-организационными вещами.
В свое время меня сюда приглашала Лариса Ивановна Дядькова, народная артистка России, замечательная меццо-сопрано, которая до меня руководила здесь оперной труппой. Сначала это были мастер-классы, направленные на подготовку труппы для постановки каких-то спектаклей. Я занималась, например, переносом "Макбета" (16+) на Приморскую сцену, то есть созданием аналога спектакля, который шел в Питере.
Потом мы делали спектакль "Царская невеста" (12+). И то ли я нашла какой-то контакт с оперной труппой, то ли певцам понравилось со мной заниматься, так или иначе работа у нас пошла. Я приезжала и приезжала во Владивосток. И вдруг это назначение! Для меня оно было, конечно, немножко шоком. Но всё к лучшему. За год до этого ушла из жизни моя мама, а годом раньше ушел папа. Конечно, мне было очень тяжело. И, может быть, это было правильно, что я целиком окунулась во всю эту работу. И вот до сих пор не могу из нее вынырнуть. И слава Богу!
Ирина Соболева. Фото: Кирилл Дружинин, предоставлено Приморской сценой Мариинского театра
Справка
Ирина Соболева
Концертмейстер
Заслуженная артистка России (2002)
Медаль ордена "За заслуги перед Отечеством" I степени (2020)
Кредо пианистки Ирины Соболевой — "концертмейстер — это не просто аккомпаниатор, а равноправный творческий партнер солиста" — вырабатывалось во время учебы в консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова (оконченной ею с отличием), в общении с замечательными музыкантами-педагогами Дмитрием Светозаровым и Евгением Шендеровичем.
В 1980 году, через 3 года после окончания консерватории, Ирина Соболева была приглашена в качестве концертмейстера оперы в Мариинский театр.
В 1986 году стала дипломантом Международного конкурса им. П.И. Чайковского. За время деятельности в театре репертуар Ирины Соболевой стал поистине необъятным. Среди спектаклей, над которыми она работала, — "Пиковая дама", "Евгений Онегин", "Садко", "Руслан и Людмила", "Князь Игорь", "Мазепа", "Чародейка", "Царская невеста", "Борис Годунов", "Война и мир", "Любовь к трём апельсинам", "Семён Котко", "Катерина Измайлова", "Нос", "Кармен", "Макбет", "Бал-маскарад", "Король Рогер", "Средство Макропулоса", "Поворот винта", "Аида", "Сон в летнюю ночь" (все — 12+) и многие другие. В тесном сотрудничестве с композитором Родионом Щедриным готовила мировые премьеры его опер "Левша" (2013) и "Рождественская сказка" (12+, 2015). Участвовала в выпуске спектаклей "Сицилийская вечерня" (12+), "Война и мир" (совместная постановка на сцене Оперного театра в Харбине) и "Макбет" на Приморской сцене Мариинского театра.
Как пианистка ведет обширную концертную деятельность, выступая с солистами Мариинского театра в Большом и Малом залах Санкт-Петербургской филармонии, гастролируя во многих странах мира.
С труппой Мариинского театра Ирина Соболева неоднократно выступала в Германии, Италии, Португалии, Франции, Японии, Израиле, США и других странах; принимала участие в фестивалях "Звёзды белых ночей" (6+) в Санкт-Петербурге, Московском Пасхальном фестивале (6+) и т.д.
Ирина Соболева участвовала в аудиозаписях многих камерных программ, а также опер "Борис Годунов", "Мазепа", "Семён Котко", "Князь Игорь", "Война и мир", и "Нос", "Евгений Онегин", "Иоланта" (все — 12+), "Любовь к трём апельсинам" (6+).
Принимала участие в постановке оперы Шостаковича "Нос" (12+) в Финской национальной опере и "Пиковой дамы" в Театре Хемница (Германия). По приглашению Финской национальной оперы и Корейской национальной оперы готовила к исполнению спектакли "Евгений Онегин", "Леди Макбет Мценского уезда", "Борис Годунов".
Концертмейстерское мастерство Ирины Соболевой отмечено национальной оперной премией "Онегин" (2016).
Пианистка занимается педагогической деятельностью: с 2012 года преподает в Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова на кафедре концертмейстерского мастерства; входит в состав жюри различных международных конкурсов (в их числе — Международный конкурс имени Чайковского); проводит мастер-классы в России и за рубежом.
С сентября 2021 года — художественный руководитель оперной труппы Приморской сцены Мариинского театра.
