PrimaMedia, 27 марта. Сегодня работники сцены во всем мире отмечают свой профессиональный праздник — Всемирный день театра. Поздравляют друг друга, приглашают в стены театра гостей, показывают яркие спектакли и т.д. Редакция ИА PrimaMedia решила отметить праздник по-своему, подготовив обзорный материал по мотивам бесед с представителями нескольких театров, работающих во Владивостоке. Представляет обзор обозреватель агентства Александр Куликов.
От автора
Я зритель. Человек, без которого всё, что делается на сцене, не имеет смысла. Так что, в принципе, День театра — и мой праздник. А также праздник всех, кто заполняет зрительные залы, затаив дыхание, следит за театральным действием, отмечая аплодисментами то, что ему нравится, и… хотел бы хоть одним глазком заглянуть за кулисы. Сегодня, в какой-то мере, мы дадим читателям, не равнодушным к театру, такую возможность.
Нашими собеседниками стали: солист Приморской сцены Мариинского театра Алексей Репин; актриса Приморского академического краевого драматического театра имени Горького почетный работник культуры Приморского края Яна Мялк; художественный руководитель Приморского краевого драматического театра молодежи Павел Макаров и главный художник Приморского краевого театра кукол Галина Слесаренко.
Алексей Репин: о первой встрече с театром, трудном Онегине, любимом Грязном и силе музыки
Справка. Алексей Репин. Баритон. Родился в городе Элиста (Республика Калмыкия). В 2007 году окончил Элистинское училище искусств им. П.О. Чонкушова по специальности "Академическое пение". В 2012 году окончил Волгоградскую консерваторию им. П.А. Серебрякова (класс заслуженной артистки РФ Н.В. Семеновой). В 2009 году — солист Волгоградской областной филармонии. С 2010 года сотрудничал с Волжским оркестром русских народных инструментов им. Н.Н. Калинина. В 2012 году был принят в труппу Волгоградского государственного театра "Царицынская опера". В 2016–2017 годах — солист Академии молодых оперных певцов Мариинского театра. С декабря 2017 года — солист оперной труппы Приморской сцены Мариинского театра.
Алексей Репин. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
— Алексей, помните свою первую встречу с театром? Каким угодно — драматическим, музыкальным, — но с театром?
— Очень хорошо помню. Было это в Элисте, столице Республики Калмыкия, городе, в котором я родился и вырос, в Русском драматическом театре (полное название — Республиканский русский театра драмы и комедии Республики Калмыкия — А.К.).
Я тогда учился в классе так третьем-пятом, а постановка была не детская, а для взрослых. Кажется, комедия под названием "Блэз" (12+, комедия положений французского драматурга Клода Манье, автора знаменитого "Оскара" (12+), в одной из экранизаций которого снялся Луи де Фюнес — А.К.).
Мы ходили втроем: мама, брат и я. Было очень весело и необычно. Я был впечатлен тем, что после кино и очень странных зарубежных мультиков, которые крутили по телевизору в 90-е годы, я вдруг увидел настоящую игру актеров. Впечатлений было много. Но надо сказать, что череды дальнейших походов в театр не последовало и маму просьбой "Мама, пойдем в театр" я не мучал.
Кукольного театра, к сожалению, я в своем детстве не помню. Возможно, в нашем городе его просто не существовало (Калмыцкий государственный театр кукол "Джангар" был создан только в 2019 году, работает с 2021 года в отреставрированном здании бывшего ТЮЗа — А.К.).
— А как насчет первой встречи с оперой?
— Если первый увиденный мной театральный спектакль я очень хорошо помню (всё-таки это было СОБЫТИЕ — в нашем небольшом тогда городке пойти в театр), то об опере я не могу сказать ничего подобного. Оперного и даже музыкального театра в Элисте не было и нет по сей день. Есть филармония, где периодически выступают либо местные, либо приезжающие, в основном, из близлежащих городов артисты.
Мое первое знакомство с оперой — это виниловые пластинки в фонотеке музыкального училища, где работала преподавателем фортепиано моя мама и где в дальнейшем я получал свое первое профессиональное музыкальное образование.
Алексей Репин. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
Помню пластмассовые наушники без шапочек, то есть с голой пластмассовой мембраной, которые сильно давили на уши. Маме периодически приходилось брать меня с собой на работу, и для того чтобы меня чем-то занять, она усаживала меня в фонотеку. И вот наравне с детскими мюзиклами и сказками с помощью фонотеки мама решила познакомить меня с миром оперы. Я не могу вспомнить, что именно это было. Скорее всего, какие-то отдельные концертные номера. Всё вперемешку: и русская, и зарубежная оперная классика, так называемые хиты. И это было для меня очень непонятно и в некотором смысле даже смешно. Точно помню, что у меня тогда даже в мыслях не было того, что вот я когда-нибудь сам стану оперным певцом.
Более того, даже оканчивая музыкальный колледж, я не представлял, что буду заниматься пением настолько профессионально, что когда-нибудь выйду на оперную сцену. Я ведь и в колледже не сразу учился на вокальном отделении. Музыкальную школу я окончил по классу академической гитары, и полгода проучился в колледже как академический гитарист. А потом в силу разных причин я перешел на вокальное отделение. Но мне всё время казалось, что рано или поздно меня вынесет в какую-то другую сферу. Я увлекался современной музыкой, рок-музыкой, пытался сам что-то писать, исполнять. Но всё произошло с точностью до наоборот, по какой-то иронии судьбы я нахожусь нам, где нахожусь, и занимаюсь тем, чем занимаюсь. Такая вот странная штука — жизнь.
От автора
Кстати, об иронии судьбы. Первая опера, которую я посмотрел, что называется, вживую, была опера Петра Ильича Чайковского "Евгений Онегин" (12+). Произошло это в 1974 году, когда я, будучи еще школьником, гостил у родственников в Ленинграде. До этого я имел представление об опере "Евгений Онегин" по фильму "Музыкальная история" (12+) с Сергеем Лемешевым в роли шофера Петьки Говоркова, который поет Ленского в самодеятельном оперном театре автопарка, где он работает таксистом.
"Евгения Онегина" (то есть шофера Панкова, который пел Онегина в этом любительском спектакле) играл Анатолий Королькевич, который, кстати говоря, в 1922 году окончил Владивостокскую театральную студию под руководством Татьяны Мариусовны Петипа. Королькевич в пору, когда снимался фильм, служил в Ленинградском театре музыкальной комедии, где исполнял характерные роли буффонадного и эксцентрического плана. В той же манере он сыграл Панкова-Онегина, из-за чего у меня ложилось какое-то несерьезное отношение к заглавному персонажу оперы.
Переоценка ценностей произошла в 1974 году как раз на "живом" спектакле по опере Чайковского. Было это, кстати, в Кировском театре оперы и балета, то есть в академическом театре оперы и балета имени С. М. Кирова, как тогда назывался Мариинский театр. Разумеется, спектакль шел в историческом зале.
Тот "Евгений Онегин" просто потряс меня. До этого я смотрел оперы по телевизору, не разбирая и половины слов (а у хора ни одного слова) и полагая, что так и должно быть (главное не слова, а само пение, музыка). А тут я различал каждое слово, причем даже в ансамблях. Ну и Евгений Онегин оказался очень серьезным персонажем с назидательной арией и эмоциональным ариозо, с драматическими моментами, которые потребовали самого серьезного подхода.
Ну и как было не спросить у Алексея Репина о Евгении Онегине, учитывая, что эта партия исполнялась им неоднократно и, в какой-то мере, стала его визитной карточкой на Приморской сцене Мариинского театра?
— Алексей, скажите, нравится вам петь Онегина? Что вы думаете о нем как о человеке? Менялось или нет ваше отношение к этому образу с годами?
— Нравится ли мне это петь? Вот именно сейчас нравится. Одно время, особенно в начале моего профессионального пути, партия Онегина была очень неудобной для меня и потому нелюбимой партией. То есть в вокальном смысле она мне почему-то не очень хорошо давалась, я чувствовал себя некомфортно.
Кстати, многие из моих коллег-баритонов, опять же в начале своего творческого пути относились к Онегину так же. Его и правда очень неудобно петь, несмотря на то, что согласно имеющемуся стереотипу, опера писалась для выпускников консерватории, даже для студентов. Хорошие, видать, были студенты! Либо, наоборот, там было что-то не совсем чистое с определением голосов.
Партия Онегина в вокальном смысле, на мой взгляд, достаточно коварная для начинающих певцов. Но со временем, когда всё становится на свои места с голосом и когда уже более десяти-двадцати раз ты исполнил эту партию, петь ее становится приятнее и комфортнее.
Что касается Онегина как человека… Я неоднократно слышал от гостей, приходивших на нашу постановку, самые нелицеприятные высказывания об Онегине. Мол, такой-сякой, негодяй, короче говоря… Но вот лично к вам, Алексей, к вашему исполнению мы очень даже хорошо относимся.
То есть у людей возникает как бы когнитивный диссонанс. "Вот тут вы, а тут он". Для меня же Онегин — абсолютно обычный человек. Он не плохой и не хороший. Он отражение некоторых социальных явлений, которые выделил Пушкин, создавая образы романа "Евгений Онегин" (12+).
Вот как поступил Онегин по отношению к Татьяне? Даже если говорить конкретно про оперу. Ну, отчитал он ее в первом действии. И молодец, и правильно сделал. Что ж ему, надо было воспользоваться моментом?
Другая претензия: вот, мол, негодяй, не нашел в себе силы помириться с Ленским. Ну, а как бы он нашел в себе силы? А порицание со стороны общества? Вопросы чести… Ну, переборщил он слегка, не "прочел" Ленского, не предполагал такого варианта. Но мне (тут я, может быть, разрушу представление об "Онегине" многих людей) — мне непонятно, почему Ленский сам не мог остановиться. Ну, просто какой-то горячий южный парень получается.
Однако главный-то злодей в опере — это Зарецкий. Даже не попробовал помирить друзей. Мол, извините, но я педант, и какие-то "преданья старины" мне дороже человеческих жизней.
Цитата
В дуэлях классик я, педант,
Люблю методу я из чувства,
И человека растянуть
Позволю я не как-нибудь,
Но в строгих правилах искусства,
По всем преданьям старины!
Из оперы П.И. Чайковского "Евгений Онегин". Сцена дуэли. Поет Зарецкий
В общем, Зарецкий сделал всё, чтобы дуэль друзей состоялась. Думаю, что в том, что Онегин вернулся из дальних странствий совсем другим человеком, не последнюю роль сыграла ссора и дуэль с Ленским.
И, конечно же, он воспылал страстью к Татьяне не потому, что она вдруг предстала перед ним этакой светской львицей, как сейчас принято говорить, а просто потому, что он, видимо, созрел для этой любви. Другое дело, что он начал странно себя вести, письма писать, пришел к ней домой объясняться.
Но опять же, а что он сделал такое из ряда вон выходящее, за что его надо обязательно осуждать и клеймить? Да ничего, по сути. Просто с ним случилась вот такая ситуация, и вот такую он жизнь прожил.
— Мне кажется, что один из ключей понимания оперы — это ее начало. Вот этот Ричардсон и Грандисон, которых упоминает Ларина, да еще и старушка няня, — зачем это? Что эти англичане значат для русского человека? А вот поди ж ты, именно они предваряют появление хора, который изображает крестьян, поющих русскую народную песню. Для Чайковского важно было передать дух русской народной музыки, всю ее красоту.
— Тут есть определенный символизм. Мол, все эти веяния моды, былые романтические герои — всё это прошло, и грянул хор. Вот это наше, настоящее, русское! Которое мы все понимаем.
— У Пушкина Онегину в начале романа 18 лет, когда он вернулся из путешествия — 26. Но поют эту партию уже опытные возрастные солисты. И это, как мне кажется, правильно. Потому что на самом деле психологический возраст Онегина из романа соответствует реальному возрасту Пушкина. И вообще мы должны сказать, что роман Пушкина и либретто оперы — совершенно разные вещи.
— Конечно. Чайковский написал своего Онегина. Он и в музыке есть. Но даже в музыке Чайковский написал не лютого злодея-негодяя. Он написал благородного человека. Не только по происхождению, но и по наличию какого-то внутреннего благородства, которое в сочетании с другими чертами привело к тому, что он оказался в этой ситуации.
— Ну а что тогда можно сказать о Грязном из "Царской наветы" (12+) Римского-Корсакова? Вроде бы злодей, а симпатию вызывает. Или дело в самой партии, которая чудо как хороша получилась у композитора?
— Для меня Грязной — это, прежде всего, одна из самых любимых партий во всех смыслах этого слова: и в музыкальном, и в драматическом. Там и спеть есть что, и сыграть есть что. И моему голосу очень комфортно, причем так было с первых исполнений. Если к комфорту в исполнении партии Онегина я шел годами (как и в некоторых других ролях), то Грязной мне как-то с самого начала стал удаваться, и никаких особых сложностей не возникало.
Это первое. Ну а второе — сама опера "Царская невеста". Она очень колоритная. В ней Римский-Корсаков щедро одарил всех персонажей и сольными номерами, и ансамблями. Ну и хор там просто шикарный!
С моей точки зрения, "Царская невеста" — это пример опер, где нет слабого звена, где нет ничего лишнего.
Алексей Репин. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
В мире существует немало опер, которые по праву являются шедеврами и пользуются заслуженной славой у поклонников этого жанра. Но тем не менее, они зачастую перенасыщены затянутыми сценами (особенно массовыми), которые не несут существенной смысловой нагрузки, а утомленный зритель терпеливо ждет, когда же эта сцена закончится и он сможет дальше наслаждаться оперой, которая нисколько бы не пострадала без таких сцен.
А вот в опере "Царская невеста", на мой взгляд, вырезать нечего. Ни одного такта. Настолько там всё органично, всё держит внимание зрителя и внимание артистов. Вообще нет никаких рисков выпасть из материала, из происходящего. Потому что Римским-Корсаковым всё о сделано идеально.
Да, Грязной — злодей, причем абсолютный. Но морального отторжения у меня к нему почему-то никогда не было. Мне его петь приятно, несмотря на то что Грязной начудил изрядно. Потому что он сильный, как минимум.
— При том что в "Царской невесте" немало выдумки, хотя многие герои имеют реальные прототипы. Меня давно мучает такой вопрос: почему оперы, истории, более условные, чем драматические спектакли, порою кажутся мне убедительнее и реальнее?
— Я думаю, дело в музыке. Помимо того, что музыка — это, безусловно, творческий порыв ее автора, она является сильнейшей технологией воздействия на человеческое восприятие, где скрещены и высшая математика, и акустика, и нейропсихология, и много всего того, о чем мы, может быть, даже не задумываемся.
Но ведь и в драматическом спектакле тоже используется музыка, для того чтобы вызвать у зрителей дополнительные эмоции. Да и что мешает драматическим актерам взять некую античную трагедию и исполнить ее нараспев?
— Я читал о постановках Камерного театра Таирова. Там актеры, когда играли "Антигону" (12+) Софокла, как раз произносили слова нараспев, как в древнегреческом театре.
— То есть хотели сделать аутентичную постановку?
— Аутентичную, да. Но в этом, как говорили очевидцы, было что-то завораживающее.
Цитата
Актеры, хотя и не говорили, а пели, но пели красиво и двигались прекрасно, и если это зрелище движения, красок, сопровождаемое великолепной музыкой и прекрасным словом, доставляло зрителям эстетическое удовольствие, наслаждение совершенно особого рода, отличное от получаемого в каком-либо другом театре, то почему же не быть благодарным художнику за эту эстетическую радость.
Игорь Ильинский, "Сам о себе" (12+). Мемуары
— Ну и в конце концов, всех нас со Всемирным с днем театра! В конце концов, давайте не будем забывать, что весь мир — театр и все люди в нем — актеры.
— А некоторые, самые-самые отчаянные, собираются именно в таких зданиях, где мы с вами сегодня беседуем, и составляют актерское братство. И самое главное, что остальные, которых Бог миловал от этой участи, к театру тянутся, потому что сами немножечко актеры. Так что всех нас — и артистов, и зрителей — с днем театра!
Алексей Репин. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
От автора
Я зритель. Причем зритель с большим стажем. То есть с самого раннего детства. Помню, мама приводила меня в ТЮЗ (Театр юного зрителя) или в театр имени Горького, который располагался тогда в здании, где сейчас находится краевая филармония. Разумеется, это были утренники, то есть утренние спектакли. Пока я смотрел спектакль (обычно, это была сказка), мама отправлялась в ГУМ, успевая до конца представления побегать и по другим магазинам, расположенным в центре. Получалось приятное с полезным. И для меня, и для нее.
Театр манил и восхищал. Бархатом кресел, мягкими коврами, пирожными в буфете, зеркалами в фойе, портретами актеров на стенах (суровые — заслуженные и народные, веселые — все остальные). Декорациями на сцене, яркими костюмами — на артистах и артистках, громкой музыкой, льющейся непонятно откуда.
Хорошо запомнились спектакли "Два клена" (6+) в театре имени Горького и "Будьте готовы, Ваше высочество!" (6+) с Надеждой Айзенберг в ТЮЗе. Я не знал тогда, что значит травести. Мне, как и многим моим сверстникам, казалось, что роль принца Делихьяра играет какой-то очень талантливый мальчик.
И сегодня, как и тогда, я хожу в театры моего детства. Пусть даже один из них поменял название, став Театром молодежи, а другой — место нахождения. Всё равно это театры моего детства. А значит, нам туда дорога… Начнем с ТЮЗа, то есть с Приморского краевого драматического театра молодежи, поскольку именно там всё и началось.
Павел Макаров: о профессии режиссера, "Слуге двух господ", об актерах и зрителях
Справка. Павел Макаров. Художественный руководитель Приморского краевого театра молодежи. В 2009 году окончил Дальневосточную академию искусств (ныне — Дальневосточный государственный институт искусств) — театральный факультет, мастерская Александр Славского — по специальности актер театра и кино. В 2016 году окончил РУТИ — ГИТИС — режиссерский факультет, мастерская Иосифа Райхельгауза — по специальности режиссер драматического театра. Автор и программный директор Всероссийского фестиваля-лаборатории современного театра "Погружение" (12+). Лауреат театрального конкурса "Серебряный медальон" имени Н. А. Присяжнюка в номинации "Лучший спектакль сезона" 2020 года за спектакль "Горка" (12+) и в номинации "Лучший режиссер сезона" 2025 года за постановку спектакля "Слуга двух господ" (12+). Лауреат Премии губернатора Хабаровского края 2021 года в номинации "Лучший спектакль" и "Лучшая работа режиссера" за спектакль "Пять вечеров" (12+) в Хабаровском ТЮЗе.
Павел Макаров. Фото: Гайдук Яна, ИА PrimaMedia
— Павел, что значит быть режиссером? Что это за профессия такая с точки зрения обыкновенного зрителя? Вот, скажем, приходим мы в театр и что видим? Актеры — играют. На них костюмы, которые создал художник по костюмам. Вокруг них декорации, которые придумал художник-постановщик. То и дело возникают световые эффекты — а это уже дело рук художника по свету. Еще один человек создал музыкальное оформление или вовсе написал музыку к спектаклю — мы это слышим. Словом, кого ни возьми, каждый занят каким-нибудь делом. А что режиссер? В чем состоит его работа? Сразу и не разберешь. Может, он вовсе не нужен?
— Нужен, конечно, поскольку режиссер — это центр спектакля, его сердце, от которого исходит главная энергия постановки. Если взять всех специалистов, названных вами, и сказать каждому: "Вот пьеса, которую мы будем ставить. Нарисуйте эскизы костюмов и декораций, придумайте свет, напишите музыку" ну и так далее, то с вероятностью до ста процентов можно предположить, что получится несколько разных спектаклей.
Например, композитор прочтет пьесу и скажет: "Какая лирическая вещь! Я увидел в этом гимн любви". И он напишет "Гимн любви". Художник прочтет и воскликнет: "Так это ж социальная драма о невозможности жить в мире, в котором всё продается". И сделает такую сценографию, где повсюду сплошная разруха и какой-нибудь бесконечный ремонт. И когда придет время совместить все ви́дения, выяснится, что это невозможно.
Вот для того, наверное, и существует режиссер, чтобы от него исходила главная идея спектакля. Режиссер решает, какую историю он собирается рассказать, беря ту или иную пьесу, и уже под свою идею набирает команду специалистов, которые отзываются на главный посыл, заданный режиссером.
Скажем, для того чтобы книга пришла к читателю, нужно чтобы ее кто-то подготовил к печати, отредактировал, проиллюстрировал, издал, распространил, продал. Но если нет писателя, то нет и книги. Так и здесь. Нет режиссера — нет спектакля.
Павел Макаров. Фото: Гайдук Яна, ИА PrimaMedia
— Про изначальный замысел, идущий от режиссера, понятно. А вот по костюмам, свету, музыкальному оформлению он принимает решение самостоятельно?
— А вот тут наступает момент сотворчества режиссера-постановщика и членов постановочной команды. Каждый из них, конечно же, творец, каждый вносит свой вклад в работу над спектаклем. Но режиссер — это главный источник энергии постановочного процесса, а потом у него есть одно важное право — сказать: "Извини, но нет. Так мы делать не будем". Ну и конечно, режиссер отвечает за весь спектакль целиком, а это большая ответственность.
— А позволительно ли актеру предлагать какие-то свои решения роли? Или режиссер уже всё решил и будет добиваться от актера неукоснительного выполнения того, что он (режиссер) задумал?
— Знаете, это большое счастье, когда артист хочет быть автором роли. Потому что если артист является только пешкой, деталью механизма, то постановка начинает походить на какой-то завод. А творчество — всё-таки не завод. Это создание чего-то уникального, правильно?
Поэтому, когда артист предлагает что-то, когда он создает свою роль сам (есть даже такое понятие — автор своей роли), — это большое счастье для меня как для режиссера. Я люблю работать с такими артистами, потому что мне всегда интересен диалог, который у нас происходит. Естественно, когда артист предлагает что-то совсем не в духе замысла, режиссер должен напомнить о нужном русле. Я говорю в таких случаях: "Не та вода. Сюда нам плыть не нужно".
Я не тоталитарный режиссер. И рад, когда артисты проявляют инициативу сами. Другое дело, что не все артисты это делают.
Павел Макаров. Фото: Гайдук Яна, ИА PrimaMedia
— А тот, кто делает, возможно, потом становится режиссером. Или не становится. Вот вы, например, как стали режиссером?
— Сначала получил актерское образование в Дальневосточной академии искусств. Учился у таких мастеров, как Александр Петрович Славский, Владимир Николаевич Сергияков и Светлана Юрьевна Салахутдинова. После окончания академии меня пригласили в театр Новосибирска. Потом были театры Самары и Великого Новгорода. Были какие-то проекты в Москве и в Петербурге.
Затем я поступил на заочное отделение ГИТИСа по специальности "Режиссер драматического театра" на курс к Галибину, Райхельгаузу и Альберту Филозову. Учился у них и параллельно ставил спектакли в различных театрах. Когда окончил ГИТИС, продолжал ставить как фрилансер, то есть по контрактам в разных театрах. Жил в разных городах, например, в Ярославле и Петербурге. В 2022 году получил приглашение стать художественным руководителем Приморского краевого драматического театра молодежи. И вот уже почти четыре года в нем работаю.
В 2024 году Павел Макаров поставил в Театре молодежи спектакль "Слуга двух господ" (16+).
Спектакль понравился и запомнился. Яркое, музыкальное, эксцентрическое представление в жанре "фантазии на тему комедии дель арте" по пьесе выдающегося итальянского драматурга XVIII века Карло Гольдони "Слуга двух господ" (16+) передало дух времени, в котором жили и творили два великих Карло — Гольдони и Гоцци, два непримиримых антагониста в театральном искусстве. Гоцци настаивал, что именно комедия дель арте с актерами в масках является главным направлением итальянской сцены, Гольдони же стремился заменить комедию масок на комедию интриг с изображением реальной жизни и нравов. Один раз Гольдони и Гоцци даже заключили пари. Гоцци утверждал, что напишет фьябе (пьесу-сказку) на самый незатейливый сюжет, добившись при этом колоссального успеха. Так появилась комедия "Любовь к трем апельсинам" (6+), завоевавшая весь мир.
В свою очередь Гольдони уехал в Париж с намерением идти по стопам великого Мольера, создавая новые комедии нравов, а не масок. Увы, в Париже в моду входили всё те же фьябе в духе Гоцци, и местная публика, ожидая подобного и от Гольдони, была сильно разочарована.
И вот Владивосток. 2024 год. Попытка примирить Гольдони и Гоцци, соединить их эстетики. Герои Гольдони надевают маски театра комедии дель арте, актеры передвигаются по сцене и делают жесты в той самой манере, в которой это делали их далекие предшественники в середине XVIII века в Италии. Для того, чтобы зрелище получилось максимально правдоподобным, на постановку в качестве специального педагога был приглашен актер Электротеатра Станиславский (Москва) Дмитрий Мягкий, владеющий техникой комедии дель арте. И спектакль, что называется, выстрелил, явив нам вид завершенности многовекового спора двух великих комедиографов.
Так и видится такая картина: актеры выходят на поклоны, а где-то в сторонке, в уголке сцены, стоят, полуобнявшись и улыбаясь друг другу, Карло Гольдони и Карло Гоцци.
— Хотелось бы продолжить разговор о профессии режиссера на конкретном примере. Возьмем, например, спектакль "Слуга двух господ". Почему вы решили поставить именно эту пьесу?
— Начнем с того, что мне всегда нравилось ставить перед собой цели, которые требуют какой-то новизны, какого-то развития и переосмысления сделанного ранее. И я решил, что хочу и должен поставить комедию, тем более что и для театра это будет хорошо. И начались поиски.
Естественно, мое внимание, прежде всего, привлекли комедии Шекспира и Мольера. Смотрел, перебирал варианты. Конечно, очень хотелось заняться высокой комедией, чтобы и в этом "легком" жанре поговорить о каких-то важных и глубоких вещах, которые есть и сейчас, в нашем современном мире. Выбор пал на "Слугу двух господ".
Стал делать режиссерский разбор пьесы с психологической точки зрения. И выходило, что, если мы уберем жанр как таковой, если уберем исторический контекст, если уберем противостояние Гольдони и Гоцци в области драматургии, плюс уберем наше общее восприятие этой истории сквозь призму советского телефильма "Труффальдино из Бергамо" (12+), а оставим только психологию, то получится… что герои пьесы не самые порядочные люди.
Я бы даже сказал, что порядочных людей там практически и нет. Ну, если оценивать с точки зрения нашей ментальности и общепринятой морали, то служить сразу двум хозяевам — это как? Да как-то не очень.
Или вот Беатриче. У нее убили брата, а она, нет чтобы поплакать над его могилой, переодевается в его же одежды и бежит, надеясь воссоединиться со своим женихом Флориндо, который обвиняется в убийстве брата.
Спектакль "Слуга двух господ" в Театре молодежи. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
И тогда стало интересно, почему Гольдони написал именно так и как это может прозвучать сегодня, если мы поставим перед собой задачу не просто развеселить людей, но и глубже проникнуть в эту историю.
Скажем, с моральной точки зрения Беатриче совершила неправильный поступок, когда, как следует не оплакав своего брата, отправилась на поиски возлюбленного. Но если посмотреть с точки зрения великой любви, то получится, что эта любовь, поскольку она великая, оправдывает все действия Беатриче.
И тогда оказалось, что и наша жизнь соткана из противоречий. Что все герои пьесы такие же "сложносочиненные", как и мы с вами. Но, в отличие от нас, они пытаются увидеть в этом мире какую-то игру, какой-то полет, какую-то поэзию, — всё то, что может сделать наш приземленный, бытовой, но достаточно непростой мир более ярким, более милосердным, более наполненным любовью. И тогда я понял, что герои пьесы — это люди в поисках игры. А какой игры? Игры в жизнь. Игры, где можно позволить себе что-то большее, не наступая на чужое горло, конечно. Большее для нас самих, в первую очередь.
И вот тогда комедия дель арте, которую играют актеры на сцене, становится возможностью немножко оторваться от приземленного понимания жизни и подняться высоко вверх.
Цитата
Искусство должно быть интереснее жизни. А иначе зачем оно нужно?
Анатолий Эфрос
И мы можем чуть-чуть поиграть в Труффальдино, в этого плута, понимая, что от этого обмана никому хуже не будет и что всё завершится счастливой развязкой. И мы готовы пуститься в бега, как Флориндо, потому что мы знаем, что нас оправдают. И вот подобные размышления выстроились в концепцию того, что все герои спектакля нуждаются в игре.
Поэтому в самом начале спектакля зрителям объясняют, что есть такой жанр, который называется комедия дель арте. И мы видим некоего Джорджо Моретти, чьим прототипом, конечно же, является Джорджо Стреллер, который первым поставил "Слугу двух господ" в жанре комедии дель арте (спектакль назывался "Арлекин, слуга двух господ" (16+); премьера состоялась в 1947 году в "Пикколо Театро ди Милано" — А.К.). Этот легендарный спектакль потом уже после смерти Стреллера восстанавливался, реконструировался, возился на гастроли, в том числе в Россию.
Спектакль "Слуга двух господ" в Театре молодежи. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
И это был шок, потому что на сцене происходило что-то невероятное, творилась какая-то магия. Поэтому и пришло такое решение: у людей, которые живут в коммунальной квартире с протекающим потолком, вдруг возникает желание хоть ненадолго попасть в ту самую Венецию, где жил Гольдони, и ощутить красоту того самого города.
И вот они надевают маски и разыгрывают историю, придуманную Гольдони. Ну а потом возвращаются в свою коммуналку. Но возвращаются уже другими.
Кстати
В ноябре 2025 года во Владивостоке прошла 32-я торжественная церемония вручения театральных премий имени народного артиста СССР А.А. Присяжнюка "Серебряный медальон" (12+) по итогам сезона 2024-2025 годов. "Слуга двух господ", поставленный в Театре молодежи, удостоится трех премий: постановщик спектакля Павел Макаров был признан лучшим режиссером сезона, исполнитель роли Труффальдино Сергей Рюмкин — лучшим актером сезона, исполнитель роли Панталоне, отца Клариче, Андрей Трофимов получил Гран-при — высшую награду конкурса.
— Павел, Театр молодежи — это ведь небольшой театр, если брать его архитектуру. И фойе небольшое, и зал небольшой. Но, знаете, есть в этом какая-то прелесть. Зритель, где бы он ни сидел, находится близко к актерам, видит их крупные планы. А это особое ощущение. Опять же сегодня вы называетесь Театр молодежи, а изначально это был ТЮЗ (театр юного зрителя). Скажите, молодежная и детская аудитория является для вас самой важной? Или всё-таки вы театр для всех, включая самых взрослых зрителей?
— С моей точки зрения, если существуют какие-то шаблоны относительно театральной иерархии, то вопросы следует обращать к человеку, который думает по этим шаблонам. Напротив, небольшие, камерные театры зачастую создают спектакли, которые становятся событиями. Я думаю, что Малый драматический театр — театр Европы под руководством Льва Абрамовича Додина, в принципе, ничем не уступает никакому театру в мире.
Поэтому мы не комплексуем по поводу того, что у нас не такая уж большая сцена. Наоборот, мы только радуемся, что у нас есть возможность близкого диалога со зрителем.
И мы не делим зрителя по возрастным категориям. Если молодой зритель хочет прийти на традиционный психологический спектакль, он имеет такую возможность. Сегодня он может посмотреть старинную комедию дель арте, а завтра — пьесу современного драматурга. А может прийти на спектакль-импровизацию и так далее.
Да и что такое молодой зритель? Молодой зритель — это ведь не про возраст, а про готовность воспринимать что-то новое.
И если наш зритель хочет увидеть сегодняшний театр во всем его многообразии, он приходит к нам. Ну а мы со своей стороны готовы продемонстрировать различные формы театрального искусства. Ведь оно и вправду может быть разным. Главное, чтобы оно было искренним и качественным.
Павел Макаров. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
От автора
С театром Горького (так всегда называли во Владивостоке Приморский краевой драматический театр им. М. Горького, который в 1997 году стал еще и академическим) театральный роман сложился с первого взгляда. Спектакль назывался "Два клена" (6+), автор пьесы — Евгений Шварц, в роли Котофея Ивановича, помощника Василисы-работницы, если мне не изменяет память, — Николай Михеев (работал во Владивостоке в 1962-1970 годах) в будущем Демьян Инютин в телесериале "Вечный зов" (12+). Больше всего поразили два клена, говорящие человеческими голосами, и то, как они "оживали", освещаясь изнутри.
В театре Горького я испытал два самых главных своих театральных потрясения — спектакль "Эзоп" (12+) по пьесе бразильского драматурга Гильерме Фигейредо "Лиса и виноград" (12+) и спектакль "Поминальная молитва" (16+) по одноименной пьесе (16+) Григория Горина по мотивам произведений Шолом Алейхема.
"Эзопа" поставил Ефим Давыдович Табачников (главный режиссер театра в 1975-1983 годах). Роль Ксанфа исполняли по очереди Вадим Мялк (с 1985 года Народный артист РСФСР) и Анатолий Бугреев (с 2001 года Народный артист Российской Федерации).
"Поминальную молитву" поставил Ефим Семенович Звеняцкий в 2000 году. Она и до сих пор в репертуаре театра. Роль Тевье-молочника с самого начала исполняет Народный артист РФ Владимир Сергияков, роль Голды, жены Тевье, — Заслуженная артистка РФ Светлана Салахутдинова и с недавних пор актриса Марина Волкова.
И еще один спектакль произвел на меня очень сильное впечатление — "По морозу босиком..." (16+), поставленный Ефимом Звеняцким, с Натальей Овчинниковой в роли певицы Лидии Руслановой.
Незадолго до дня театра мы встретились с одной из ведущих актрис Приморской Горьковки Яной Мялк. Беседа получилась душевной.
Яна Мялк: о театре, который всегда с тобой
Справка. Яна Мялк — почетный работник культуры Приморского края. В 1997 году окончила театральный факультет ДВГИИ по специальности "Актриса драматического театра и кино". В том же году стала актрисой Приморского академического драматического театра имени М. Горького, где и служит до сих пор. Художественный руководитель проекта "Народные театры Приморья", председатель Приморского регионального отделения СТД РФ.
Яна Мялк. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
— Для меня да. Потому что мои родители были артистами. И папа — народный артист России Вадим Янович Мялк, — который практически всю свою творческую жизнь проработал в нашем театре, и мама, Зевахина Галина Яковлевна, которая, когда у нее появилась семья, а потом дети, сменила род своей деятельности, став диктором Приморского радио, где она и проработала много-много лет.
Вообще, вся наша семья, если брать во внимание еще и Аню, старшую дочь Вадима Яновича Мялка, связала свою жизнь с творчеством. Старший сын Ани Павел стал кузнецом, занимается художественной ковкой, а младший сын Сергей, как и мама, стал архитектором.
— А была ли вашей семье какая-нибудь, традиция, связанная с днем театра? Может быть, пирог с капустой пекли?
— Нет, пирог с капустой не пекли, но я очень хорошо помню, что делали одно из любимейших блюд моего папы — форшмак, который был у нас таким праздничным блюдом. Я его и тогда редко встречала, а сейчас и подавно. Многие даже не знают, что это такое (форшмак — холодная закуска на основе селедочного фарша — А.К.). А вообще-то главным праздничным блюдом у нас был торт "Прага". Его мы особенно ждали. Ведь тогда с продуктами было не так, чтобы очень, и такого разнообразия деликатесов, как сейчас, не было. Тем не менее, старались устроить праздничный стол.
— Много раз приходилось читать интервью с детьми актеров, которые потом и сами стали актерами. Практически все говорят, что их детство прошло за кулисами. И ели там, и уроки готовили. У вас так же было?
— Это вполне нормальная история, потому что, если ребенок не в школе или детском саду, то куда родителям его брать? Только на работу. У актеров ведь рабочий день ненормированный. И утром работаешь, и вечером, а бывает, что и в обед. А дети растут за кулисами.
Яна Мялк. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
Из воспоминаний Александра Славского, Народного артиста России:
Мялк играл Менделя Крика (в музыкальном спектакле "Биндюжник и король" (16+) по мотивам произведений Исаака Бабеля в постановке Ефима Звеняцкого. Была очень трагическая, жесткая сцена, когда сыновья его убивают, и Нехама, жена Менделя, кричит: "Мендель!", и женский хорал вступает. И мы столы раздвигали, и почти мертвый Мендель-Мялк падал, переворачивался, открывал глаза и нам… глазки строил, да так, что невозможно было удержаться от смеха. Он нас буквально до слез доводил. И, наверное, это был такой прием, ведь сцена была очень серьезная, и мы ее сыграли, и надо было уходить от трагедии, потому что дальше идет уже другая сцена.
— Будучи ребенком, вы наверняка общались с такими легендами приморского театра, как Андрей Александрович Присяжнюк и Евгений Михайлович Шальников.
— А как же! Я всех прекрасно знала. Но от той поры у меня остались детские воспоминания. Если бы я тогда была постарше, то наше общение могло быть более интересным и глубоким. Сужу по тем воспоминаниям, которыми делятся с нами артисты более взрослого поколения. Конечно, я берегу память об этих людях, чту их заслуги перед театром.
— Эти люди стали для нас легендами. Шальникова весь город знал, причем не понаслышке. У него было очень много знакомых, включая моих родителей, например. Я его на сцене тогда не видел, но хорошо запомнил афишу спектакля "Сказки… сказки… сказки старого Арбата" (12+) по пьесе Алексея Арбузова. На афише были изображены какие-то куклы-марионетки и большое лицо Шальникова (он играл главную роль кукольных дел мастера Балясникова). Это было еще на старом месте, на улице Ленинской (сейчас Светланской). И уже сама афиша вызывала какой-то священный трепет. Ведь с нее начинался ТЕАТР!
— Сейчас у людей много возможностей отвлечься от повседневности: пойти в кино, сходить на хоккей или на футбол, посетить какой угодно ресторан. А тогда театр, наверное, был самым главным местом досуга.
— Ходили в него как на праздник, с особым ощущением. Мужчины надевали лучшие костюмы, женщины — лучшие наряды.
— Да, лучшие. Но я могу сказать, что в нашем театре эта традиция сохраняется, особенно если это касается премьерных спектаклей. Мы видим, что наши зрители с должным вниманием и почтением относятся к театру, к театральному искусству и стараются своим внешним видом также создать какой-то праздник.
— Вот скажите, Яна, почему взрослые люди ходят в театр? Мы как зрители, вы как актеры. В чем подвох?
— А вы знаете, каждому человеку, наверное, свойственно саморазвитие. И, в первую очередь, интеллектуальное и эмоциональное. Думаю, театр культурно обогащает человека. Театр и вправду нужен человеку. Он многому учит: и доброте, и культуре, и милосердию, и пониманию жизни. Театр, будучи некой проекцией реальной жизни, дает ответы на какие-то важные для зрителей вопросы. Он посредством погружения в какие-то классические и современные сюжеты заставляет человека размышлять. И человек растет вместе с театром.
Яна Мялк. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
— А вот у меня так бывает. Смотрю спектакль, где есть ярко выраженный отрицательный персонаж, и думаю: "Неужели сейчас в зале нет ни одного человека, точно такого же, как этот отрицательный герой?" А если такой человек есть, то что он думает об этом персонаже? Порицает или оправдывает? А если порицает, в отличие от реальной жизни, то что это значит? Неужели то, театр и впрямь может изменить человека, пусть даже на пару часов?
— Я думаю, в каждом человеке заложены разные качества. И порою трудно разобрать, где белое, а где черное. И в вас, и во мне, и в любом человеке могут быть и светлые, и темные стороны существования, с которыми мы живем, которые находятся внутри нас.
И найдя в себе что-то общее с отрицательным героем, человек, наверное, может задуматься и переосмыслить какие-то свои принципы, желания, мысли, поступки. И, наоборот, какие-то хорошие качества, заложенные в каждом человеке, могут проявиться в бóльшей степени.
— Хорошим, конечно, быть приятнее.
— Конечно, приятнее. И мы должны к этому стремиться.
Цитата
Театр — это храм, это подлинный храм искусства, при входе в который вы мгновенно отделяетесь от земли, забываете о житейских отношениях, здесь ваше холодное я исчезает, растворяется в пламенном эфире любви. Если вас мучит мысль о трудном подвиге вашей жизни и о слабости ваших сил, здесь вы ее забудете. Если когда-нибудь ваше душа жаждала любви и упоения, в театре это жажда вспыхнет в вас с новой неукротимой силой. Если когда-нибудь в ваших мечтах мелькал пленительный образ, забытый теперь вами, забытый как мечта несбыточная, в театре этот образ явится вновь и вы увидите его глаза, устремленные на вас с тоской и любовью..
Ступайте, ступайте в театр, живите и умрите в нем, если можете!..
Виссарион Григорьевич Белинский
— И некоторые из нас, простых зрителей, идут в театр, чтобы играть в нем. Я имею в виду народные театры. В последние годы в Приморье, по инициативе губернатора Олега Кожемяко, реализуется проект "Народные театры Приморья" (12+). В прошлом году, в вашем театре (это было день тетра, кстати говоря) прошел первый фестиваль народных театров Приморского края. И таких театров становится всё больше. Как вы думаете, что заставляет вполне сложившихся, солидных людей, добившихся определенных высот в своих профессиях (директоров предприятий, например) вдруг "пойти в артисты"?
— Причины могут быть разными. Допустим, кто-то пытался когда-то стать артистом, но не получилось. У кого-то была нереализованная детская мечта. К тому же театр — род искусства, позволяющий быть всегда на виду. Дающий ощущения собственной значимости, привлекающий чужое внимание, вызывающий восхищение зрителей. Всё это заманчивые вещи, которые не чужды никому из нас.
К тому же, если у людей есть свободное время и они хотят посвятить его такому созидательному искусству, как театр, то почему бы нет? Даже не имея особых профессиональных навыков, а только за счет своей души, за счет своего сердца и за счет какой-то собственной внутренней истории можно создать спектакль, сыграть в нем роль. Это очень заманчиво.
Яна Мялк. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
У нас дружная команда. Кроме меня, это Марина Волкова (актриса Приморского академического краевого драматического театра им. М. Горького — А.К.), которая является режиссером-педагогом проекта, Ефим Семенович Звеняцкий (художественный руководитель Приморского академического краевого драматического театра им. М. Горького — А.К.) — наш куратор и главный вдохновитель, помощь оказывают и другие актеры театра. А то, что этот проект придумал губернатор Олег Николаевич Кожемяко, говорит о самых серьезных намерениях развивать народные театры в Приморье. Проект создан не просто так, он создан для людей. Конечно, мы не делаем из них профессиональных артистов, но мы делаем очень хорошие профессиональные спектакли, которые хорошо воспринимаются зрителями.
— Вспомнился интересный случай. Когда я в молодости служил в армии, нас в воскресенье строем вдруг повели куда-то. Пока шли, гадали, куда нас ведут. А привели нас в местный Дом культуры, усадили там в зале и показали спектакль местного народного театра. Это была комедия "Родственники" (12+) Эльдара Рязанова и Эмиля Брагинского. Нам ужасно понравилось! Потом уже я посмотрел телеспектакль "Родственники" (12+) театра имени Маяковского в постановке Андрея Гончарова. Там играли такие известные актеры, как Владимир Самойлов, Александр Мартынов, Светлана Немоляева, Игорь Костолевский. Так вот, спектакль народного театра мне понравился больше.
— А потому что, когда ты сидишь в зале, то все свои эмоции получаешь напрямую от артистов. А спектакль на экране не может дать той полноты ощущений, той атмосферы, которые есть в "живом" театре. "Здесь и сейчас" — в этом есть свое очарование. Театр — это живое искусство. Абсолютно.
— Особенно это актуально сейчас, когда наступает эпоха искусственного интеллекта. Выясняется, что в фильмах живых актеров, в принципе, снимать необязательно, их можно сгенерировать.
— Ну нет, до этого в театре не дойдет. Наоборот, я надеюсь, что именно сейчас вновь пришло время театра. Пускай искусственный интеллект будет нам в помощь. Вот пускай он помогает нам технически. Создает то, что нужно для еще более прекрасного воплощения спектаклей на сцене. Но живую человеческую душу он никогда не заменит. А театр как раз и есть душа человека: душа артиста, душа зрителя.
Яна Мялк. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
Кстати
Анатолий Эфрос в своей книге "Профессия: режиссер" (12+) вспоминает о том, как в 1981 году ставил "Вишневый сад" (12+) Чехова в Японии. Раневскую играла Комаки Курихара, известная в нашей стране по главным ролям в фильмах "Москва, любовь моя" (12+) Александра Митты и Кэндзи Ёсиды, "Мелодии белой ночи" (12+) Сергея Соловьева, "Шаг" (12+) Александра Митты. Однажды Курихара пригласила Эфроса с собой в гипермаркет, где ее фотографировали для рекламного варианта афиши "Вишневого сада" — рекламировался не только предстоящий спектакль, но и компания-спонсор. Тут-то и выяснилось, что театральные актеры в Японии не получают зарплаты — каждый зарабатывает, как может (Курихара, например, снималась в рекламе). А в театре все играют по желанию, для души, ради интереса к пьесе и ее автору, из любви к творчеству.
— Яна, тогда у меня к вам принципиальный вопрос. Что самое главное в работе артиста?
— Если это касается профессиональных качеств, то главное, я считаю, — быть понятным и правдивым на сцене, чтобы зритель тебе верил, чтобы он шел за тобой, чтобы после спектакля у зрителя оставалось что-то в сердце. Это, наверное, самое важное. Ну и, конечно, с точки зрения профессионализма должны быть какие-то вещи: актера должно быть элементарно слышно и видно на сцене, он должен показывать что-то свое, иметь какие-то фишечки, как сейчас говорят. Чем больше умеет артист, тем интереснее на него смотреть.
— А сама работа над ролью для вас с чего начинается? Вот вам говорят: "Вы будете играть в спектакле "Девочки из календаря" (12+) роль Рут. Персонаж достаточно интересный. Но попотеть придется". И вы начинаете… с чего?
— Думаю, а что это за герой такой? Читаю пьесу, вникаю в ее сюжет, пытаюсь представить себя в предлагаемых обстоятельствах. Думаю, как бы я поступила в данной ситуации? Как бы не поступила. И, в первую очередь, беру какие-то переживания из своего личного опыта.
Потом уже в процессе репетиций, когда образ встает на ноги, пытаюсь как-то обогатить героя качествами человека, который прописан именно в пьесе. Придаю ему какую-то определенную пластику, какую-то речевую характеристику. Ну и самое, наверное, главное: пытаюсь быть органичным в своем образе. Органично хорошим или органично плохим в зависимости от того, что нужно в спектакле.
— Ваша Рут из спектакля "Девочки из календаря" — очень трогательная роль. Ее и жалеешь, и злишься на нее из-за того, что она во всем пытается угодить начальнице, и гордишься ею, когда она решается изменить свою жизнь и делает это.
— Я очень рада, что у меня так получилось. Да и спектакль у нас получился очень хороший. Все девчонки такие разные. Это благодатная почва как для женщин вообще, так и для актрис, — быть разной. Я думаю, этот спектакль полезен зрителю, потому что перипетии, которые переживают героини, сейчас абсолютно современны, понятны и сопереживаемы зрителями.
— Еще один спектакль, как мне кажется, стоит вспомнить — "Небесный тихоход. Мотивы" (12+). Вам достался персонаж, который в фильме играла Фаина Раневская. Но у Раневской там небольшой эпизод, а у вас в спектакле — целая история жизни.
— Пьеса была написана специально для нашего театра. Фильм послужил только отправной точкой. Так что я себя абсолютно не сопоставляла с Раневской и не пыталась ее "сыграть". У меня была своя героиня.
Работалось над ролью прекрасно. И я считаю, что это один из лучших спектаклей нашего театра, один из лучших спектаклей, поставленных Ефимом Семеновичем. У нас получился особый спектакль — День Победы и в жизни, и на сцене. Главные события, которые были в жизни страны, память о людях, которые в этих событиях участвовали. Великолепные партнеры! Этот спектакль — театр во всех его проявлениях и жанрах: драматические сцены (а порой и трагические, и комические), танцы, песни, много пластического движения, света, музыки. И моя роль — женщина, которая мечтала стать актрисой, но в силу жизненных обстоятельств стала медицинским работником.
— Мне казалось, что вы рассказывали со сцены какую-то свою личную историю.
— Почти так и было. У моей героини родители работали в театре, как и у меня. Но в отличие от героини я стала актрисой. А она — врачом. Так ведь и мой отец, Вадим Янович Мялк, по первому образованию медик, и моя сестра стала врачом.
Кстати
В ходе 32-й торжественной церемонии вручения театральных премий имени народного артиста СССР А.А. Присяжнюка "Серебряный медальон" (12+) по итогам сезона 2024-2025 годов спектакль "Небесный тихоход. Мотивы" получил три лауреатских диплома. За лучшую режиссуру в спектаклях, посвященных 80-летию Победы, был отмечен народный артист РФ Ефим Звеняцкий; лучшим актером в спектаклях, посвященных 80-летию Победы, стал Михаил Марченко (роль летчика); лучшим художником по костюмам по итогам сезона 2024-2025 годов была названа Юлия Далакян, создатель костюмов для этого спектакля.
Ефим Звенякий получает премию имени А.А. Присяжнюка. Фото: Сухарьков Андрей, ИА PrimaMedia
— У меня как у зрителя после таких спектаклей возникает ощущение, что Приморский краевой драмтеатр имени Горького не просто единая команда, но и единая семья.
— И это действительно так. Создание труппы, коллектива единомышленников, соответствующей атмосферы в труппе, настоящей театральной семьи — это одно большое дело, которым мы все занимаемся.
— Успехов вам! И с днем театра!
— Спасибо. И вас также.
Яна Мялк. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
От автора
Воспоминание из детства. Бывало, вечером отключали свет. Редко, но бывало. Зато надолго. Тогда из старого буфета, с верхней полки, доставалась свеча в медном подсвечнике и ставилась на стол. Света свечи хватало лишь на небольшое пространство вокруг стола. Но можно было читать книгу или играть в дурака. Еще одно развлечение — театр теней. Ну, театр — это сильно сказано. Так, несколько фигур, на которые хватало фантазии: лающая собака, человеческая физиономия — нос картошкой, ворчливая старушка.
Много позже довелось посмотреть в Приморском театре кукол очень красивую и стильную постановку по сказке Андерсена "Соловей" (6+) в постановке заслуженного деятеля искусств РФ Виктора Бусаренко. Практически весь спектакль был решен в стиле театра теней.
И много чего еще довелось посмотреть в нашем театре кукол. Однако самый первый спектакль абсолютно не помню. Слишком мал был. Помню только, что тогда располагался театр в другом месте, недалеко от Главпочтамта. Надо было подняться по той самой лестнице, возле которой, визу, стоит памятник Элеоноре Прей. За тяжелой дверью, открыть которую ребенку было невозможно (открывала мама) была еще одна лестница. И еще одна дверь. В крохотном фойе возле гардероба толпились зрители. И зал был тоже крохотный (представляете, насколько крохотный, если даже ребенку, для которого в ту пору все деревья были большими, это было ясно). Мест в зале было немного. Зато ширма располагалась близко и всё было отлично видно…
Затем театр кукол переехал в нынешнее здание на улице Петра Великого. Туда мы сейчас и отправляемся.
Галина Слесаренко: о прелести театра кукол, любви с первого взгляда и чайных пакетиках
Справка. Галина Слесаренко. Главный художник Приморского краевого театра кукол. Образование: Колледж-интернат Центр искусств для одаренных детей Севера (Ханты-Мансийск); РГИСИ (Российский государственный институт сценических искусств), факультет театра кукол. Работала в Ханты-Мансийском театра кукол.
Галина Слесаренко. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
— Галина, профессия художника в театре кукол отличается от профессии художника в другом театре, драматическом, например?
— Конечно. Скажу больше, художник-постановщик для кукольного спектакля, может быть, намного важнее, чем художник для спектакля драматического. Потому что он создает образ персонажа в буквальном смысле этого слова. Причем не копию человека. У куклы возможностей больше. Она может точнее передать конкретный, нужный для постановки характер, она и физически более свободна, чем человек.
— У кого возникает замысел куклы? У режиссера, исходя из концепции выбранной пьесы, или у художника-постановщика?
— Это всегда общая работа с режиссером.
— Как она происходит?
— У всех по-разному. Если говорить обо мне, то для начала это множество разговоров с режиссером. Читаешь пьесу или инсценировку произведения и предлагаешь постановщику свои мысли на этот счет. О том, какая система кукол больше подходит для этого спектакля. Какие они могут быть: планшетные, марионетки, теневые, тантамарески, перчаточные и так далее. Почему именно в этом произведении должны быть куклы? Какой характер вот у этого персонажа, а какой — у того? Словом, происходит обмен впечатлениями.
— Вы обмениваетесь впечатлениями, у персонажа рождается характер. А характер — это что? Лицо? Костюм? Способ движения куклы?
— Всё, вместе взятое.
— Художник мыслит эскизами, набросками?
— Да, создание куклы начинается с каких-то маленьких набросочков на листочке. А может быть, вот тут нос чуть ниже или, наоборот, чуть выше, а может быть, глаза раскосые, а может быть, и нет. И спустя множества всех этих каляк-маляк потихоньку вырисовывается эскиз, который в последующем пойдет на технический совет, на рассмотрение режиссером.
— То есть режиссер утверждает вашу работу? Или это коллегиальное решение?
— Это всегда диалог. Не может быть такого, чтобы кто-то сказал: "Хочу", и на этом всё. Всегда — диалог.
— Читатели любят примеры. Может быть, приведете какой-нибудь интересный?
— Ну вот последний спектакль в Барнауле "Принцесса на горошине" (0+). Буквально три недели назад прошла премьера (в Алтайском государственном театре кукол "Сказка" — А.К.). Меня туда пригласили как художника-постановщика спектакля.
Сказка крохотная, поэтому потребовалось введение каких-то новых персонажей либо какого-то усложнения сюжета. И родилась идея нового персонажа-медиатора, который должен сопровождать Принца, как бы курируя его. И мы с режиссером придумали куклу Луна-Горох, которая периодически превращалась то в Луну, то в горох. Это был с одной стороны посланец судьбы, а с другой — резонер, этакий хохотун, который постоянно посмеивался над Принцем. Мол, у того буквально за стенкой его судьба находится, а он отправляется в путешествие за тридевять земель искать ее. Чудак.
— Есть какие-то общие правила по изготовлению кукол? Чтоб, скажем, злой персонаж отличался от доброго.
— Обычно у злых персонажей делается длинный нос, а у добрых — маленький аккуратный носик, красные щечки и аккуратные бровки.
— И у всех кукол четыре пальца? Об этом как-то рассказала Евгения Моисеевна Турецкая, которая задолго до вас была главным художником Приморского театра кукол. Пять пальцев, говорила она, для куклы выглядит неестественно, рука становится похожа на какие-то грабли, это отвлекает внимание зрителей, а малышей даже пугает.
— Ну это необязательно — четыре пальца. Можно и с пятью сделать так, чтобы никто не отвлекался и не боялся. Вот смотрите (показывает на куклу — А.К.). У этой куклы пять пальцев. Вам это мешает?
— Нет.
От автора
Прошерстив Интернет в поисках статей, объясняющих феномен четырех пальцев у кукол, в конце концов приходишь к выводу, что четыре пальца, — скорее всего, дань традиции, перекочевавшей, кстати говоря, и в мультипликацию. Кукольники в стародавние времена считали, что кукла, всё время общаясь с человеком, однажды может ожить и уйти в мир людей. Отличить ее от человека и помогут четыре пальца вместо пяти.
— Галина, когда вы делаете своих кукол, вы учитываете характер и голос актеров, которые будут их водить? Знаете, когда-то в советских рисованных мультфильмах 50-х годов поступали так: срисовывали персонаж с реального актера, который должен был заниматься озвучкой. Скажем, Борис Чирков озвучивал старика из "Сказки о золотой рыбке" (0+) — и рисовали Чиркова. Алексей Грибов озвучивал дрессировщика в "Каштанке" (0+) — и рисовали Грибова. И не просто рисовали, а повторяли характерные жесты и мимику этих актеров. Плюс еще и голос их звучал, интонации.
— По-всякому бывает. Иногда, например, надо учитывать внешность артиста, чтобы сделать ровно противоположное. Если у тебя очень миловидная девушка, которая должна сыграть Бабу-Ягу, то и в этом есть своеобразная прелесть театра кукол. Ты можешь сделать куклу с абсолютно уродливыми выражениями лица именно потому, что актрисе, при всем старании, невозможно до такой степени перевоплотиться в этот образ.
Или, наоборот, в спектакле "Принцесса на горошине", который был поставлен в Барнауле, у кукол Принца и Принцессы были дубли в виде людей. Насколько я знаю, такой же прием будет использован в "Буратино" (0+, спектакль по мотивам сказки Алексея Толстого, премьера которого как раз проходит в эти дни — А.К.), где живой план — человек и сама кукла — это один и тот же персонаж. И в какой-то момент кукла становится актером.
— В Приморском театре кукол идет спектакль "Алиса в Стране чудес" (0+). Там кукла как раз должна внешне напоминать актрису, потому что сама героиня постоянно трансформируется: то уменьшается, то увеличивается. А вот скажите, какие куклы вам интереснее делать, или проще, или радостнее, может быть? Допустим, перчаточные или марионетки?
— Я больше всего люблю планшетные куклы. То, что больше всего сейчас не любит старая школа. Но планшетные куклы можно интересно обыграть. Если ты грамотно придумаешь, что за человек стоит за куклой и почему он ее держит, тогда интересно становится. Еще очень люблю предметный театр, хотя многие люди чаще всего даже не думают, что он может относиться к театру кукол.
В Санкт-Петербурге есть замечательный театр "Карлссон Хаус". Есть его спектакли "Ловля форели на рассвете" (12+) и "Ловля форели на закате" (12+, фантазия на тему романа американского писателя-битника Ричарда Бротигана "Ловля форели в Америке" (12+) — А.К.).
"Ловля форели на рассвете" начинается практически с того, что несколько мужчин закидывают чайные пакетики на длинной-длинной нитке в свои кружки и долго-долго сидят и "рыбачат", ведя разные мужские беседы.
Предметы, они ведь еще подразумевают и определенную фактуру. А фактура в театре кукол очень важна. Если ты, например сделал куклу из бумаги, то она может размокнуть под дождем, а человек до такой степени — никогда. И в этом тоже есть своя прелесть.
— А не было ли у вас такого, чтобы сначала придумать куклу (без всякого повода , а просто потому, что сама собой придумалась), а потом уже под нее появилась кака-то история, воплотившаяся в спектакль?
— Нет, так не было. Всегда идешь от сюжета пьесы. Конечно, хочется, чтобы что-то свое было. Вспоминается случай с моей дипломной работой по сказке Федора Хитрука "Каникулы Бонифация" (0+, Федор Хитрук снял одноименный мультфильм, взяв за основу сказку чешского писателя Милоша Мацоурека "Бонифаций и его племянники" (0+) — А.К.).
Эта сказка хорошо известна и любима всеми. Но там настолько узнаваемые персонажи, что очень трудно придумать что-то иное. В этом и была главная трудность.
Галина Слесаренко. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
Конечно, я всё-таки отталкивалась от мультипликационного фильма. Но если ты будешь бездумно копировать имеющийся образец, то результат будет плохим. Не каждый хороший эскиз — это эскиз для куклы. Не каждый мультипликационный образ можно воплотить в куклу. В моем случае были сохранены какие-то основные черты льва Бонифация (то есть его узнаваемость осталась), но в то же время он был адаптирован под куклу.
Да, конечно, трудно самому придумать куклу с нуля. Но еще труднее, как мне кажется, решить по-своему персонаж, который известен всем.
— А вам не хотелось попробовать себя в качестве художника в таком большом-пребольшом театре, в большой-пребольшой драматической постановке? Чтобы много костюмов, огромных декораций… Или ваша стезя — всё-таки работа в театре кукол?
— Вообще я по первому образованию хореограф. Но как-то очень удачно сходила на спектакль "Кабо-Верде" (12+) в Ханты-Мансийском театре кукол — и всё! С этого момента пошло заражение моего головного мозга кукольным театром. Любовь с первого взгляда.
И до конца учебы на хореографа я ходила на все спектакли театра кукол, а по окончанию учебы поступила в РГИСИ по специальности "Художник-технолог театра кукол". Вот так.
К сожалению, у взрослых людей театр кукол зачастую ассоциируется с детским спектаклем. Ведь первый театр, в который мы приходим в детстве, — это кукольный театр, где мы видим ширму, мальчиков-зайчиков, девочек-белочек и других зверушек.
А я пришла сразу на взрослый спектакль. И сразу увидела, что театр кукол может быть вот таким. А других ассоциаций — ни с ширмами, ни с перчатками — у меня не было. И я считаю, что мне очень повезло. Я увидела современный, хороший театр кукол в его лучшем воплощении.
От автора
Так получилось, что самыми любимыми куклами в моем детстве были две куклы из театра Сергея Образцова (Сергей Владимирович Образцов (1901-1992) — советский актер, режиссер театра кукол, публицист, театральный деятель, писатель. Герой Социалистического Труда (1971), народный артист СССР (1954). Создатель знаменитого на весь мир Центрального театра кукол, руководил им до конца своей жизни — А.К.).
Их привезли из Москвы папа и мама, когда гостили там у двоюродного (или троюродного) дяди отца (у нас все называли его "дядя Коля"). Дядя Коля работал артистом с театре Образцова и выпросил в цехе две старые, уже не нужные куклы — Петрушку и Гурвинека. У Петрушки был острый нос и заостренный подбородок. Гурвинек — чехословацкий кукольный персонаж, ставший одним из персонажей комиксов (0+) в советском детском журнале "Веселые картинки" (0+), — имел круглое лицо и аккуратный нос пуговкой.
Мы братом натягивали меж двух стульев старое верблюжье одеяло, надевали на руки куклы и разыгрывали экспромты, обязательным условием которых было то, что Гурвинек был умником и всезнайкой, а Петрушка — простофилей, который вечно что-то путал. Если экспромт удавался, все смеялись, если не удавался — шли пить чай с тортом. Как видите, в любом случае наш импровизированный театр кукол рождал только положительные эмоции.
Для меня театр с ширмой и перчаточными куклами на долгое время оставался стандартом. Первый кукольный спектакль с участие "живых" артистов и кукол, который я увидел (по телевизору), был спектакль "Божественная комедия" (16+) всё в том же театре Сергея Образцова. Пьесу написал известный советский драматург Исидор Шток по мотивам серии юмористических рисунков "Сотворение мира и человека" (16+) французского художника Жана Эффеля. В духе Эффеля и были созданы куклы (Адама и Евы) и образы персонажей, которые исполнялись "живыми" актерами.
В 1970-х годах Центральный театр кукол Сергея Образцова приехал на гастроли во Владивосток. Спектакли давали в большом зале Дома офицеров флота. Разумеется, были аншлаги. Показали и "Божественную комедию", и другой знаменитый спектакль для взрослых — "Необыкновенный концерт" (16+), в котором высмеивались штампы сборных музыкальных концертов и так называемой массовой культуры.
В обоих спектаклях принимал участие суперпопулярный в те годы Зиновий Гердт. В "Божественной комедии" он был Адамом (водил куклу-марионетку, будучи одетым в черное трико, сливающееся с таким же черным задником; а "выдавал" его только знакомый всем голос, с неповторимым тембром и интонациями). В "Необыкновенном концерте" он водил и озвучивал конферансье-интеллектуала Аркадия Апломбова, которого постоянно мучала мысль, а не слишком ли он умен для зрителей.
Кстати, сам Сергей Образцов посетил несколько предприятий города, где рассказывал простым работягам об истории кукольного театра. Для оживления лекции он использовал шарик, разрисованный под лицо куклы, который надевал на палец. Было удивительно смотреть, как простейшая с виду кукла ведет себя чисто по-человечески.
Куклы. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
— Галина, а что такое, по вашему мнению, хороший современный серьезный театр кукол?
— На мой взгляд, это театр, который оправдывает наличие кукол в спектакле.
— Сейчас стало модно (или не модно, а по велению времени или по какой-то производственной необходимости), делать спектакли, где на первом плане появляются актеры, а куклы как бы отходят на второй план. Как вы считаете, это хорошо или плохо?
— Это не то, чтобы хорошо или плохо. Это просто есть. Всё же развивается волнообразно. Сейчас так, завтра будет по-другому. Старую школу это пугает, меня очень радует. У меня появляется в два раза больше возможностей. Кукла делает то, чего не может человек, человек делает то, чего не может кукла.
Но при этом театр кукол — это театр художника. Вот вы Образцова вспомнили. Между прочим, это его слова.
Галина Слесаренко. Фото: Осипчук Дмитрий, ИА PrimaMedia
Справка. Всемирный день театра был установлен в 1961 году по инициативе участников IX конгресса Международного института театра (МИТ) при ЮНЕСКО. Практически сразу установилась традиция поздравительного послания в адрес актеров, режиссеров, продюсеров, осветителей, звукоинженеров, монтировщиков декораций, костюмеров, билетеров, гардеробщиков, капельдинеров и т.д. Первое международное послание было написано французским писателем и художником Жаном Кокто в 1962 году.
